Música para leer

Lo mejor de 2011

2011-12-27T16:17:00.002+01:00

Hola a todos. Después de unas semanas de inactividad bloguera vuelvo a aparecer por aquí para dejar mis listas de fin de año y mis deseos de que este 2012 sea más provechoso para el blog. De hecho creo que lo será.

Cuelgo mis listas de mejores discos nacionales y también internacionales con el enlace correspondiente a las reseñas que hice para Muzikalia (haciendo clic sobre la portada), siempre y cuando exista dicha reseña.

INTERNACIONAL	NACIONAL

01	Jesse Sykes and The Sweet Hereafter Marble son	01	Russian Red Fuerteventura
02	PJ Harvey Let England shake	02	Antònia Font Lamparetes
03	Lucinda Williams Blessed	03	Corizonas The news today
04	My Morning Jacket Circuital	04	Doctor Explosion Hablaban con frases hechas
05	The Joy Formidable The big roar	05	Ainara LeGardon We once wished
06	Miles Kane Colour of the trap	06	Nudozurdo Tara motor hembra
07	Fountains of Wayne Sky full of holes	07	Christina Rosenvinge La joven Dolores
08	The Horrors Skying	08	Manos de Topo Escapar con el anticiclón
09	The Decemberists The king is dead	09	Capsula In the land of silver souls
10	The Jayhawks Mockingbird time	10	Pshycotic Beats Rexer flash
11	The Cars Move like this	11	Caustic Roll Dave Long term music
12	The Black Keys El camino	12	Muy Fellini La ciudad de las palmeras
13	The Vaccines What did you expect from The Vaccines?	13	The Bright Soundtrack for a winter's tale
14	Bryan Estepa Vessels	14	Sex Museum Again and again
15	Little Wings Black grass	15	Alis Material de disección
16	Stevie Nicks In your dreams	16	Bigott The orinal soundtrack
17	The Unthanks Last	17	Odio París Odio París
18	Eilen Jewell Queen of the minor key	18	Juan Perro Río Negro
19	K.D.Lang Sing it loud	19	Souvenir Travelogues
20	David Lowery The palace guard	20	Amaral Hacia lo salvaje

Y ahora os dejo también los vídeos de mis dos canciones favoritas de este año. La nacional es para Antònia Font, y la internacional para Arctic Monkeys.

Feliz año 2012. Nos vemos pronto espero que con más y mejores contenidos.

Puff, el dragón mágico

2011-10-30T20:47:00.001+01:00

Desde pequeño a mi hijo le ha gustado la música. Poco a poco, sin forzarlo, simplemente porque veía que a mí me gustaba. Con tres o cuatro años empecé a sentarlo en mi regazo y mostrarle vídeos de canciones, y algunos me hacía repetirlos varias veces hasta hartarnos. Por ejemplo, el famoso vídeo de Blur que contaba la triste historia de un cartoncillo de leche.

También le gustaba mucho ver el vídeo de "We are the world". Me preguntaba todo el rato "¿Y ese quién es?", y yo le respondía..."ese es Springsteen"..."ese es Michael Jackson"..."ese es Stevie Wonder"... Le grabé una cinta con sus canciones favoritas y la escuchábamos cuando íbamos en el coche. Ya hablé de ello en su momento en este mismo blog, en este post donde incluso se puede ver la lista de canciones.

En esa cinta está la famosa canción de Peter Paul and Mary "Puff the magic dragon". Ahora mismo es su favorita, y me da pena explicarle que la historia, el final sobre todo, es bastante triste. No, no va sobre las drogas, a pesar de todas las suposiciones que he leído por ahí y de que hubiera sido prohibida en Singapur en 1963, al poco de su lanzamiento. La canción fue compuesta en 1959 por Leonard Lipton, un estudiante de 19 años, que sin saber demasiado qué hacer con ella se la pasó a su compañero Peter Yarrow. Este rápidamente incorporó el tema al repertorio de una banda folk que había formado: Peter Paul and Mary.

En la letra se describen las felices aventuras del niño Jackie Paper y su mascota, un dragón llamado Puff que vive en el mar y que de cuando en cuando sale para encontrarse con Jackie, jugar y pasarlo bien. Ambos son muy felices juntos, pero poco a poco Jackie va creciendo y empiezan a gustarle otras cosas más de mayores. Un día, Jackie no acude a la cita con Puff. El dragón, desolado, se retira lentamente a su cueva para no salir nunca más de ella.

Un final demasiado triste con el que rompería la magia que, ahora mismo, mi hijo escucha la canción sin entender demasiadas cosas. Con el poco inglés que sabe del cole, y lo que le he explicado yo, es capaz de captar algunas frases y palabras sueltas. ¿Debería contarle el final real y original de "Puff the magic dragon", o sería mejor atenerme al nuevo final que inventaron en 1997 para un libro infantil basado en la canción? En esta nueva versión Puff encuentra una nueva compañera de juegos, aparentemente en la propia hija de Jackie Paper.

O mejor no le digo nada, y que disfrute con la música como lo hacía yo cuando no entendía ni papa de las letras y me imaginaba lo que contaban las canciones. En realidad, en la mayoría de ocasiones mi historia inventada era mucho mejor que la real, como después poco a poco he ido descubriendo.

The Police - Ghost in the machine (1981)

2011-10-02T13:14:00.000+02:00

Supongo que sería a finales de 1981. Estaba en casa de mis abuelos (vivíamos allí algunas temporadas) por la mañana, así que seguramente sería sábado, domingo o tal vez vacaciones de Navidad. El día había empezado fenomenal. Desde la cama le di al play del radiocassette por enésima vez desde que, un par de viernes antes, adquirí la cinta del nuevo LP de The Police: "Ghost in the machine". El trío liderado por Sting se estaba convirtiendo, gracias a unos compañeros de clase, en uno de mis grupos preferidos del momento rivalizando con Supertramp, los Bee Gees y la ELO. "Every little thing she does is magic" era diferente, no tenía esa urgencia punk ni esos ritmos reggae. Era una canción más pop, más radiable. Pero era genial.Mientras sonaba algunas de las canciones de la cara B de la cinta, canciones que todavía no apreciaba tanto como las de la primera mitad, se armó algo de revuelo en el planta de abajo. Oía discutir, pero no me atrevía a asomarme por la escalera puesto que me temía que mi padre y mi madre hubiesen vuelto a pelearse tal como había sucedido un par de veces aquel otoño. Poco después me enteré de lo que había pasado en realidad y mi vida empezó ese día a dar un vuelco enorme que duraría 5 años y del que tardaría en salir. De hecho, a veces pienso que todavía no he salido de él, que sigo esperando que todo aquello fuera una pesadilla de la que me despierto con mis padres abrazándome y diciendo que no pasa nada, que estaba soñando. Lamentablemente no fue así.

¿Y qué tiene que ver esto con la música? Pues muy sencillo. Dicen que las canciones que a uno se le quedan en la mente de forma más nítida son las que se asocian a momentos que se recuerdan por algún motivo, casi siempre agradable. Es por ello que en la lista de canciones favoritas que prácticamente cada persona tiene en su cabeza, un buen porcentaje lo son por motivos distintos a los musicales. Ahora bien, ¿Y qué pasa con los malos recuerdos? ¿También pueden llevar asociada una banda sonora? ¿Y qué ocurre en ese caso? En mi caso lo que ocurre es que, 30 años después, tengo todos los discos de The Police en CD excepto uno: "The ghost in the machine". Todavía conservo la cinta original que compré en su momento, de hecho es la única que conservo. ¿Por qué? Porque no fui capaz de volverla a escuchar entera después de aquel día. Cada vez que sonaba "Spirits in the material world" mi cuerpo producía señales de rechazo, de nerviosismo, casi de ansiedad.Hace unos años me bajé "Ghost in the machine" en mp3 y grabé un CD-R con la idea de escucharlo en la cadena, con mayor calidad. Hacía 25 años ya de todo aquello y era una tontería seguir negándome a hacerlo. Copié la carátula de una web, la recorté y la encajé en la funda del CD, de forma que es fácil hacerlo pasar por original (siempre que no se abra, claro). Puse el CD-R en la cadena. Apenas tres minutos después, lo quité.

Esta mañana, organizando un poco el armario, he vuelto a tener en las manos la cinta. He buscado el CD-R en la estantería y lo he sacado. Lo he aguantado en las manos durante unos momentos. Lo he puesto en la cadena de música y me he saltado "Spirits in the material world". He escuchado "Every little thing she does is magic", que suena tan genial como la recordaba. Cuando ha empezado "Invisible sun" he apagado la cadena y he sacado el CD. Luego he entrado en Spotify y me he dispuesto a escuchar entero el "Ghost in the machine", pero he tenido que volver a saltarme "Invisible sun". He dirigido el ratón sobre "Secret journey" y he puesto mi dedo sobre el botón para hacer clic. Tras unos segundos de duda, lo he retirado y me he puesto a escribir esto.

Quizás otro día lo vuelva a intentar.

¿Nos pasamos al pop?

2011-09-19T00:00:00.002+02:00

Hace unos días, mientras preparaba para Muzikalia la reseña del último y desconcertante disco de Catpeople, estuve recordando otros casos de giros musicales inesperados, sorprendentes y (en algunos casos) exitosos (en términos de ventas y premios, al menos). Uno de los últimos y más obvios nos es muy cercano: Dover han pasado en poco tiempo de ser los embajadores de Seattle en España, en los 90, a sacar discos de electropop e incluso uno de world music.

Dover, antes:

...y después:

Sin embargo hay dos casos muy llamativos que siempre me vienen a la cabeza en primer lugar cuando pienso sobre este tema. Se trata de dos grupos con una trayectoria bastante similar, puesto que ambos empezaron como combos de blues rock y acabaron convertidos en bandas pop superventas y megaexitosas de los 70. Los lectores más avispados (y avispadas, que también las hay) ya habrán adivinado que estoy hablando de Fleetwood Mac y de la Steve Miller Band.

Fleetwood Mac nació como grupo en 1967. A pesar de deber su nombre a los fundadores Mick Fleetwood y John McVie, el líder del grupo era Peter Green. Es por ello que su primer álbum, de 1968, se presentó como Peter Green's Fleetwood Mac.Green y McVie habían estado con John Mayall en esa cantera de grandes guitarristas de blues que fueron los Bluebreakers, y en su debut como Fleetwood Mac siguieron la senda que les había dado a conocer. El disco contenía algunas canciones propias y también versiones de Robert Johnson y Elmore James. Al poco tiempo publicarían como single su canción más famosa de esta etapa blues: Black magic woman.

Al cabo de un par de años Peter Green dejó el grupo. Muchos fueron los músicos y cantantes que pasaron por Fleetwood Mac durante una travesía del desierto que duró casi toda la primera mitad de los 70, aunque hicieron alguna que otra canción bastante recomendable. En esos años ya estaba en el grupo Christine Perfect, que no tardaría mucho en convertirse en la señora McVie. De esa época casi desconocida de Fleetwood Mac hablaré otro día. El caso es que más o menos a finales de 1974 o principios de 1975 Mick Fleetwood andaba ocupado buscando gente para el grupo y entró en contacto con un guitarrista norteamericano llamado Lindsey Buckhingham, al que ofreció entrar en el grupo. Buckhingham aceptó con una condición: llevarse a su compañera artística y sentimental con él. Ella era Stevie Nicks, y el resto es historia.

Fleetwood Mac, antes:

...y después:

También allá por 1967 se formó una banda llamada Steve Miller Band. En realidad el grupo ya llevaba un tiempo funcionando con el nombre de Steve Miller Blues Band, lo cual da una buena pista de por dónde iba su música. Su disco de debut se cerraba con un estándar de blues bien conocido: Key to the highway. Su sonido se fue dulcificando a medida que se acercaban los 70, con acercamientos a la psicodelia, al rock e incluso al funk. Ya por entonces a Steve Miller le gustaba jugar con diferentes personajes en sus canciones: el "gangster del amor", el "space cowboy", un tal "Maurice"... En 1971 Steve Miller sufrió un grave accidente de coche que le tuvo inactivo durante bastante tiempo. Mientras su discográfica mantenía al grupo vivo sacando recopilatorios y discos en directo, Steve se reponía en su cama y le daba vueltas a la canción juguetona definitiva: The joker. En 1973 llegó al número 1, y desde entonces ya no dejó de jugar con sus canciones pop hasta hace unos años que parece haber vuelto al blues.

Steve Miller Band, antes:

...y después:

Bueno, se me ocurren más casos pero lo dejaré aquí. A ver si ustedes, queridos lectores, animan esto con sus comentarios y proponen más nombres que hayan dado volteretas similares.

New York, New York

2011-09-11T22:33:00.000+02:00

Esta semana he preparado para Muzikalia un especial sobre los atentados del 11S en el World Trade Center de Nueva York, de los que se cumplen justamente hoy 10 años, y su influencia en la música durante los siguientes meses e incluso años. Es un poco largo, así que dejaré el enlace:

http://muzikalia.com/leerarticulos.php/48/articulo/10-anos-del-11s

En un día como hoy es inevitable aprovechar esta pequeña ventana para rendir un pequeño homenaje a la ciudad que, dicen, nunca duerme.

Casi justamente 20 años antes de los atentados, tuvo lugar el mítico concierto de Simon and Garfunkel en el Central Park. Allí se pudo escuchar esta bella oda a la ciudad de los rascacielos.

Ha habido grandes artistas en Nueva York, muchísimos, y muchísimos más son los que alguna vez han dedicado alguna canción a la ciudad, a alguno de sus barrios, sus monumentos, sus pequeños o grandes rincones... Personalmente pienso que uno de los cantantes que mejor han descrito el ambiente de la Gran Manzana es Billy Joel, un tipo bastante infravalorado fuera de los Estados Unidos. Son varios los temas que hablan de Nueva York a lo largo de toda su discografía, pero uno especialmente me pone la carne de gallina, y más en esta versión en directo.

I'm in a New York state of mind...

Libros musicales

2011-09-04T22:11:00.000+02:00

Para esta primera entrada de la 5ª temporada he reservado un post que hace honor al nombre del blog. Este verano que ya acaba ha sido muy interesante en lo que se refiere a lecturas musicales. Han caído dos biografías y otro par de libros muy recomendables que paso a detallar en unas pocas líneas que me gustaría que sirvieran de recomendación para los que no los hayan leído, y de punto de partida para debatir su contenido en el caso de los que sí lo hayan hecho. Ahí van:

Bowie (Amando al extraterrestre), Christopher Sandford.

El primer libro que leí este verano fue la reedición de la biografía definitiva de Bowie, escrita por Christopher Sandford, un crítico de rock con más de 20 años de experiencia a sus espaldas. Se trata de un excelente relato de las andanzas de Bowie desde sus inicios hasta el final del siglo XX. No se trata de narrativa oral, que parece ser la moda actualmente, aunque sí se hace referencia a numerosas declaraciones de gente muy cercana a Bowie, incluso del propio artista. Muy completo en cuanto a información y detalles sobre la vida y obra del Duque Blanco. Imprescindible para fans y no fans.

El ruido eterno, Alex Ross.

Una magnífica obra, muy voluminosa pero sorprendentemente amena, que introduce al lector en la historia y secretos de la música "clásica" hecha en el siglo XX. Partiendo de Mahler y Wagner y avanzando a través de las diferentes corrientes que han configurado el panorama de la música contemporánea, constituye un espléndido tratado para no iniciados y curiosos, y tal vez una buena obra de consulta para los más conocedores de esta última etapa de la música denominada "culta". Muy bien narrado, pone en contexto a los músicos y estilos tratados en su entorno sociopolítico: la Alemania de Hitler, la Rusia de Stalin, los Estados Unidos de los felices 20... Ofrece muchos detalles técnicos que pueden despistar a los no entendidos, pero no los suficientes como para aburrir. Consigue que un tema a priori tan yermo parezca enormemente interesante.

Fragmentos de una década (Tendencias, transformaciones y claves del rock del nuevo milenio), Carlos Pérez de Ziriza.

Mucho menos voluminoso es este libro que cumple una misión similar al anterior, pero centrado en la música popular de la primera década del nuevo siglo. Con un par de capítulos dedicados a cada año, desde el 2000 hasta el 2009, esta obra conforma una excelente hoja de ruta muy útil para navegar por unos años que, por demasiado cercanos, a muchos nos parecen erráticos y poco claros. Pérez de Ziriza no habla sólo de música en el sentido estricto, también trata temas como el impacto del 11S, los nuevos formatos y hábitos de consumo o el fenómeno de los festivales. Muy recomendable para tener una visión general de una década que todavía se resiste a ser catalogada.

Vida, Keith Richards.

Es difícil hablar de este extenso libro sin caer en el fanatismo y la hipérbole. Leer las andanzas de Keith Richards de su propio puño y letra es algo inenarrable y que pone la piel de gallina hasta al menos fiel seguidor de los Stones. Su biografía está salpicada de múltiples anécdotas y hechos luctuosos, desde su infancia, sus inicios en la música, la formación de los Rolling Stones, sus problemas con Jagger... No pueden faltar historietas como su supuesta transfusión de sangre o su también supuesta caída del cocotero, además de sus numerosos (y narrados con detalle) episodios de adicción y sus menos numerosos devaneos amorosos. Rebosante de estilo, actitud y carisma, decir recomendable es poco.

Pues estas han sido mis lecturas musicales de verano. ¿Y las vuestras?

5ª temporada de Música Para Leer

2011-08-23T19:09:00.000+02:00

Hola, queridos lectores. Después de mucho pensar y repensar, de combatir contra el desánimo, de vencer a la pereza y también de disfrutar de unas merecidas vacaciones, he decidido que habrá 5ª temporada de Música Para Leer. A partir de septiembre, de nuevo en sus pantallas.

En esta 5ª temporada, como siempre, seguiré hablando de música, de sus pequeñas y grandes historias, de la actualidad, de los clásicos y de los olvidados... Iré asimismo publicando y comentando las noticias, crónicas y reseñas de discos que escriba para la revista Muzikalia. También, como sorpresa especial para esta temporada (bueno, ahora ya no es sorpesa) habrá una serie de posts dedicados a seguir la evolución de la música en los 60 y primeros 70 de la mano de los clásicos cómics de la Marvel. Un tema muy interesante, como podréis ver.

Bueno, espero que todavía haya alguien ahí al otro lado. Aunque las redes sociales lo ponen cada vez más difícil, confío en que queda gente a la que le gusta leer sobre música sin prisa y sin limitación de caracteres.

Saludos!

Clarence Clemons.

2011-06-13T17:44:00.000+02:00

Como empieza a ser ya costumbre (mala) en estos últimos meses, no tengo demasiado tiempo para poderlo dedicar al blog. Al menos no todo el que yo quisiera. Espero que, coincidiendo con el final de un curso que ha resultado más ajetreado de lo normal, podamos celebrar el 4º aniversario del blog como se merece y ese sea un punto de inflexión que nos lleve, como poco, de vuelta a la normalidad bloguera.

He querido, no obstante, dedicar unos minutos a recordar al gran Clarence Clemons, el mítico Big Man de la no menos mítica E Street Band, compañero de fatigas de mi admirado Bruce Springsteen. En las últimas horas he recibido noticias muy malas al respecto de su estado de salud, muy machacado ya de un tiempo a esta parte. Hasta ahora eran problemas de huesos y articulaciones, pero ahora se habla de infartos cerebrales, de operaciones a vida y muerte...y eso es más grave.

Hace unos meses dediqué un post a recordar famosos (y no tanto) solos de saxo de las últimas décadas. Encontré algunos vídeos recopilatorios en los que, lógicamente, el bueno de Clarence aparecía varias veces. Les dejo el enlace por si quieren repasarlos, muy recomendables. http://musicaparaleer.blogspot.com/2010/09/que-fue-de-los-solos-de-saxo.html

Espero fervientemente que se recupere y, aunque esto último quizás suene egoísta, podamos verlo de nuevo emocionando con su saxo desde el escenario.

Nicola Di Bari: Los días del arco iris

2011-05-15T22:36:00.000+02:00

Anoche, como muchos sabréis, tuvo lugar la 56ª edición del Festival de Eurovisión. Sí, puede que hoy sea un evento arcaico y de una condición artística dudosa, pero hubo un tiempo en que cada país mandaba a sus mejores artistas con sus mejores canciones. Pero de eso ya he hablado otras veces.

El caso es que anoche en Facebook tuvo lugar un interesante seguimiento del festival, durante el que comentamos no sólo las canciones de esta edición (la sorpresa de Azerbaian, el buen puesto de Italia con una canción nada festivalera, el ridículo de España, el atractivo visual de los gemelos irlandeses...) sino también los momentos de gloria de pasadas ediciones. En un momento dado empezamos a hablar de las grandes canciones que han pasado por el festival, sin importar si ganaron o no. Como en su momento ya hice un repaso general a la historia de Eurovisión, hoy me quiero centrar en mi canción favorita de todas las que han pasado por el festival en sus más de 50 años de historia. Una canción italiana, por supuesto: los italianos han sido siempre los que más en serio se han tomado este tipo de eventos, no en vano son un país con una gran tradición de festivales, con el mítico Sanremo a la cabeza. Tan en serio se lo toman que anoche reaparecieron tras más de 10 años de ausencia motivada, entre otras causas, por el hartazgo de mandar a sus mejores artistas año tras año sin obtener resultado alguno.

La canción a la que me refiero es "I giorni dell' arcobaleno" (Los días del arco iris). Con ella Nicola Di Bari ganó precisamente el Festival de Sanremo en su edición de 1972, repitiendo la victoria que había obtenido un año antes con otra mítica canción: "Il cuore é uno zingaro" (El corazón es un gitano). Su interpretación como vencedor está llena de emoción y ternura. Se puede apreciar como Nicola Di Bari canta con la voz quebrada y las lágrimas asomando a su rostro, resultando en una de las actuaciones más sinceras y humildes que he visto en muchísimo tiempo.

Ese mismo año, 1972, la canción fue seleccionada para representar a Italia en el Festival de Eurovisión, donde quedó en el puesto 6. La ganadora fue Luxemburgo con la canción "Apres toi", interpretada por la cantante alemana de origen griego Vicky Leandros. Nicola Di Bari realizó otra magnífica interpretación, tal vez más profesional y menos emotiva que la del vídeo anterior, pero igualmente bella.

En fin, un pequeño recuerdo que he querido tener hoy a una de mis canciones favoritas de siempre, y también a una época en la que participar en Eurovisión era algo todavía prestigioso, cuando tanto cantantes como sus correspondientes orquestas realizaban su interpretación totalmente en directo. No como ayer, que hubo momentos realmente de vergüenza ajena.

30 años sin Bob Marley

2011-05-11T14:25:00.000+02:00

Hola a todo el mundo. Hoy se cumplen 30 años del triste adiós de Bob Marley, uno de los grandes de la música. Quería escribir algo en el blog con este motivo, pero mejor os dejo el enlace del reportaje que he preparado para Muzikalia. Espero que os guste.

Muzikalia: recordando a Bob Marley.

Saludos!

10 discos indispensables de 1974

2011-04-14T23:44:00.000+02:00

Estas últimas semanas he estado recuperando fuerzas y ganas para retomar el blog de nuevo, y una de las cosas que más me apetecía hacer era volver a colgar aquellas listas anuales que dejé interrumpidas hace casi dos años y medio.

1974 es un año raro para la música. Un año "perdido", podría decirse exagerando un tanto. El rock progresivo, el hard rock y el glam estaban a punto de dar paso al punk, pero la crisis del petróleo provocó un bajón de ventas, y el mundo de la música prácticamente pareció detenerse durante unos cuantos meses. Por supuesto, son solo sensaciones que uno tiene cuando repasa la historia, cuando lee algún libro o revisa listas de éxitos. Lo cierto es que en 1974 se lanzaron muchos y buenos discos. Voy a repasar los que, en mi opinión, son los 10 discos indispensables del año 1974.

10. BAD COMPANY - Bad company
El supergrupo formado por ex-miembros de Free, King Crimson y Mott The Hoople, con Paul Rodgers a la cabeza. Su disco de debut es toda una lección de buen rock'n'roll. Eran los tiempos del vinilo, así que las mejores canciones están estratégicamente colocadas al inicio de cada cara. Son, claro está, "Can't get enough of your love" y la inquietante "Bad company".

9. ANN PEEBLES - I can't stand the rain

Ann Peebles grabó una serie de magníficos álbumes para Hi Records en la primera mitad de los 70. Todos ellos son magníficos, y un buen punto de partida para bucear en la parte más oscura y desconocida de aquellos dorados años del soul. La canción que da título al disco tuvo un éxito bastante considerable, y ha sido sampleada hasta la saciedad, pero la joya oculta es "I'm gonna tear your playhouse down.

8. GRAM PARSONS - Grievous angel

Hay gente que le tiene manía a Gram Parsons. Algunos le acusan de haber destrozado a un gran grupo de pop como eran The Byrds. Otros le ven como el inspirador del country pop californiano facilón de los 70, que engendró grupos tan vilipendiados por los musicólogos sesudos como los Eagles. También hay quien opina que se aprovechó de Emmylou Harris, y que sin ella su carrera en solitario no sería ni la mitad de lo que es. Cada uno tiene su opinión, pero para hacerlo con fundamento hay que escuchar atentamente este álbum.

7. ELECTRIC LIGHT ORCHESTRA - Eldorado

La ELO es uno de esos grupos que a todo el mundo le suenan, y pocos conocen bien. Su trayectoria en los 80 es manifiestamente mejorable, pero hay que recordar que en los 70 fueron, en algunos momentos, los máximos candidatos a ocupar el trono de los Beatles. De hecho fueron muy grandes, y eso es algo que en determinados ámbitos no se perdona. Este es el disco que empezó a convertirles en un grupo de masas, con canciones como la inmortal "Can't get it out of my head.

6. ERIC CLAPTON - 461 Ocean boulevard

Un gran disco cuya reputación se ve, en parte, perjudicada por diversos motivos. Entre ellos, que sus mejores canciones sean versiones ("I shot the sheriff, "Willie and the hand jive, "Motherless children). Pero lo que importa en estos casos es la ejecución, la interpretación, la pizca de personalidad propia. Sin llegar a las cotas del Clapton de los 60, el álbum gana en valor si lo comparamos con lo que vendría años más tarde. Eric Clapton había dejado las drogas y había conseguido a la mujer que amaba, pero todavía no estaba completamente domesticado.

5. CÁNOVAS ADOLFO RODRIGO Y GUZMÁN - Señora azul

Uno de los mejores discos en castellano de toda la historia. Es cierto que el tiempo no lo ha tratado del todo bien, y visto desde hoy puede parecer un poco ñoño y con una vigencia muy limitada a su tiempo y lugar, pero incluso así es muy grande. Canciones como "Señora azul no necesitan presentación, pero además están "Maria y Amaranta, "Sólo pienso en tí...

4. BIG STAR - Radio city

Big Star son uno de esos grupos más respetados que conocidos, más influyentes que exitosos. Un grupo que transitó los 70 sin demasiado éxito, pero al que se posteriormente se le han reconocido sus méritos. Este Radio City es, posiblemente, su mejor disco. Contiene también sus canciones más conocidas: "September gurls" y "Back of my car", pero el resto de temas no tienen ningún desperdicio.

3. BADFINGER - Wish you were here

Si Big Star no fueron muy bien tratados por la industria y el público en su momento, Badfinger son el grupo maldito por excelencia. Considerados como aspirantes al trono dejado por los Beatles, firmaron por su sello Apple, y todo parecía irles de cara. Diversos problemas personales y legales, sin embargo, les dejaron en la ruina. Dos de sus miembros principales se suicidaron, y lamentablemente no llegaron a ver reivindicado su legado. Este fue su último disco antes de su primera disolución. Una lección de powerpop que mereció más suerte.

2. RICHARD & LINDA THOMPSON - I want to see the bright lights tonight

Otro excepcional disco poco conocido. Richard Thompson buscó dar salida a sus composiciones menos campestres fuera de Fairport Convention, y para ello buscó una voz...y vaya si la encontró. Linda Thompson es capaz de provocar emoción con solo abrir la boca. En este disco Richard y Linda alcanzan su cénit juntos, con un puñado de historias de perdedores y esperanza que ponen la piel de gallina. A medio camino entre el folk británico y los Fleetwood Mac de Stevie Nicks, un disco para saborear despacio y disfrutar.

1. SUPERTRAMP - Crime of the century

Bueno, qué puedo decir sobre mi segundo disco favorito de mi grupo favorito. Este disco es algo así como un pequeño milagro. Después de años de intentarlo, Supertramp estaban al borde de la desaparición. En A&M, sin embargo, confiaron en ellos y les dieron una última oportunidad. Unos cambios de miembros, y la confianza ciega de Roger Hodgson y Rick Davies en sus posibilidades, más allá de modas, dieron como resultado este brillante disco repleto de éxitos y de canciones imperecederas: "School, "Hide in your shell", "Dreamer", "If everyone was listening", "Crime of the century"...

Phil Collins

2011-03-05T13:20:00.000+01:00

Estas últimas semanas se ha rumoreado bastante acerca del estado de salud de Phil Collins y su posible retirada de la música. Ahora parece que la noticia se confirma. Dice que no cree que nadie le eche de menos. Bueno, pues yo sí.

Aparentemente Phil Collins representa en estos últimos años todo lo que muchos melómanos aborrecen: sus bandas sonoras de Disney, sus baladas azucaradas, sus producciones ochenteras... Es un cliché que, en cualquier conversación sobre gustos musicales, salga a relucir su nombre como ejemplo de lo que "jamás, bajo ningún concepto", puede considerarse buen gusto. Sin embargo, detrás de todos esos movimientos, algunos más acertados que otros, siempre ha habido un tipo honesto, sincero y sobre todo un gran aficionado a la música. Tal vez su honestidad, su aspecto de tipo corriente (todo lo opuesto a Gabriel), bajito, regordete y calvo, haya jugado en su contra en un mundo que venera a los eternos adolescentes.

Muchos han olvidado, o nunca han sabido, que algunos de sus almibarados éxitos ochenteros eran versiones de clásicos del soul o de la Motown. Un ejemplo: "You can't hurry love", un número 1 para las Supremes allá por 1966. Es posible que las producciones típicas de los 80 fueran un lastre para Collins, pero también lo fueron para muchos otros grupos y artistas de más prestigio. ¡¡Eran los 80, amigos!! ¡¡La era del plástico!! Es muy fácil desprestigiar ahora los 80 con la perspectiva que da el tiempo, pero había que estar allí para entender y respetar aquella década.

Otro lugar común, repetido hasta la saciedad, es que Phil Collins se cargó Genesis. O, sin ser tan exigente, que los discos de Genesis tras la marcha de Peter Gabriel son mucho peores que los primeros. Bueno, es otra vez cuestión de gustos. ¿De verdad discos como Trespass (1970) o Foxtrot(1972) son más gratos a los oídos entrenados para el pop que Duke (1980), Abacab (1981) o Genesis (1983)? Me cuesta creerlo. Por no mencionar A trick of the tail (1976) o Seconds out (1977), los primeros álbumes sin Gabriel, en los que la banda sigue la senda del rock progresivo con buenas maneras y manteniendo el nivel.

En mi opinión, hizo bastante más daño a Genesis la marcha de Steve Hackett en 1977. Pero incluso así, como trío (Collins, Rutherford, Banks) todavía tuvieron unos cuantos años interesantes. Por suerte o por desgracia, difícil saberlo, por edad la primera canción de Genesis que escuché en la radio fue "Turn it on again", del mencionado album Duke. Me encantó hasta tal punto que se convirtió en una de mis obsesiones musicales, persiguiendo a todas horas las emisoras que podía escuchar en casa hasta grabarla en una cinta.

Esas cosas marcan, pero los años también dan una cierta capacidad para la objetividad que no tenemos en la adolescencia, así que creo que puedo distinguir entre las cosas buenas, menos buenas, malas y vomitivas que ha hecho Phil Collins a lo largo de su carrera. Y tengo que decir, hoy que seguramente no se alzará ninguna voz para defenderlo, que respeto muchísimo al Phil Collins de los últimos años de Genesis y sus primeros discos en solitario y que, aunque hace mucho tiempo que pasó su mejor época, me entristece su retirada definitiva y sobre todo que sea por problemas de salud.

Ánimo y suerte, Phil.

El entrevistador entrevistado.

2011-02-23T10:25:00.000+01:00

Después de algunos años haciendo entrevistas para Muzikalia, esta vez me ha tocado estar al otro lado. Los organizadores del festival Estrella Levante SOS 4.8, a celebrar en Murcia los próximos días 6 y 7 de mayo, solicitaron entrevistar a un redactor de la revista para su blog, a lo que gustosamente accedimos.

Dejo aquí el enlace con la entrevista:

http://www.sos48.com/blog/2011/02/21/nuestros-blogs-y-revistas-favoritos-6-este-lunes-con-muzikalia/

Saludos!

Comando Suzie - El Hombre Sentimental (2010)

2011-02-17T13:39:00.000+01:00

Hola a todos. Hace mucho tiempo que no escribo nada, básicamente por falta de tiempo y de cosas que decir, pero sigo insistiendo en mantener el blog activo. Dejo por aquí, retomando una costumbre que no llegó a ser, una reseña realizada para la revista Muzikalia. El disco comentado en esta ocasión es El Hombre Sentimental, del grupo Comando Suzie.

Durante una de las múltiples escuchas a las que sometí a El hombre sentimental, segundo disco de Comando Suzie (proyecto de Raúl López junto a la enigmática Ella y Marcos Gimeno), se produjo una coincidencia que me hizo replantear todo lo que llevaba apuntado hasta el momento. Mientras los altavoces emitían mensajes contradictorios con referencias al amor y al desamor en sus múltiples formas, y yo revisaba nuestro especial San Valentín para la web divagando acerca del amor y sus intrincadas sendas, apareció en la pantalla de mi ordenador una noticia: Javier Marías publica nueva novela. Caí entonces en la cuenta de que El hombre sentimental es también el título de una de sus obras, pero había algo más: el titular venía acompañado de un texto que decía “estar enamorado suele ser algo deseable, salvífico y redentor, pero puede llevar a las cosas más atroces”. Las cosas más atroces. Volví a poner la canción “Biología” y lo que suponía una romántica declaración de amor (“seré tu paño de lágrimas, seré tu amante perfecto”) se tornó en inquietante crudeza (“programaré tus neuronas para que seas siempre feliz”, “sólo falta tu novio al que yo mismo quitaré de en medio”…) De repente la frase “nunca más estarás sola, te lo prometo” sonaba más a amenaza que a declaración de amor.

Hasta ese momento me parecía que entre las diez canciones que forman El hombre sentimental había varias que podrían llegar a ser hits discotequeros en manos y voces más amables como, por ejemplo, Fangoria o Pet Shop Boys. Pensaba que para esos éxitos en potencia suponían un lastre el ritmo robótico y frío que lo cubre todo, así como la voz impersonal y sin matices que habla de amores, odios, miedos, celos y rupturas con la misma apatía e indiferencia con que Azul y Negro amenazaban con saltar desde la Torre de Madrid o Décima Víctima cantaban el estribillo de “un hombre solo”.

Pues no, mis primeras impresiones estaban erradas. Ese desafecto, ese acercamiento impersonal a pesar de que las narraciones son en primera persona, es necesario. Las canciones lo piden, y no aceptarían otra aproximación. Es un disco sobre sentimientos, sí, pero con una mirada obsesiva e industrial sobre nuestras relaciones apresuradas, volátiles e intercambiables (“Dime qué tengo que hacer antes de sustituirme…”), perfecta para la generación 2.0. Las menciones en las letras a iconos de los sentimientos oscuros y obsesivos como Joy Division, Radiohead o The Cure no son en balde. La repetición machacona, tanto de esquemas como de letras, agudiza esa idea de fijación. Una fijación extraña, puesto que en pocos minutos (“Val existe…”) puede cambiar de destinataria sin trauma alguno.

Un disco sobre el amor repentino, transitorio y fugaz, sobre el hombre sentimental capaz de enamorarse de todas las chicas que ve por la calle y de obsesionarse con una mirada o un gesto, unas canciones sobre la fuerza de los sentimientos y al mismo tiempo sobre su volatilidad… Un disco que debe ser escuchado, sin embargo, sin prisas y con atención. Sólo así comprenderás que la mención a Rocío Jurado en “La canción de Ella” tampoco es en balde.

Dejo también un enlace para escuchar el disco en Spotify, así como un vídeo con la canción "2025".

Videoclip de Comando Suzie "2025" from Autoreverse on Vimeo.

Boney M.

2010-12-30T18:00:00.000+01:00

Hace un rato me he enterado del fallecimiento de Bobby Farrell, el mítico cantante de la banda Boney M. Los más jóvenes posiblemente sentirán lo mismo que sentía yo cada vez que fallecía alguna mítica tonadillera o cupletista, pero los que fuimos adolescentes a finales de los 70 o primeros 80 tenemos grabada a fuego la imagen del bueno de Bobby haciendo piruetas imposibles mientras daba respuesta, con ese enorme vozarrón suyo (durante mucho tiempo no tuve claro si realmente era él quien cantaba, pero parece ser que sí) a las muchachas de rigor que en cada momento formaran parte de la plantilla. Somos también pocos los hoy cuarentones o cincuentones que no hemos sufrido algún esguince de tobillo intentando imitar las contorsiones de Bobby en alguna fiesta de empresa.

Recuerdo perfectamente las primeras veces que escuché una canción suya. Bueno, en realidad no era estrictamente suya puesto que estoy hablando de la magnífica versión que hicieron de "Sunny", una canción soul de Bobby Hebb. Asocio aquellos recuerdos, no sé por qué, principalmente a los primeros cigarrillos a escondidas. Qué cosas más raras hace la memoria.

Muchos consideraban a Boney M un grupo de pega. Hay que decir que no sin motivos: detrás de ellos estaba la sospechosa mano del productor Frank Farian, que algunos años más tarde nos la metió doblada con Milli Vanilli. Por lo visto, al más puro estilo de los 60, a mediados de los 70 compuso una canción que tuvo cierto éxito y tuvo que buscar a toda prisa un grupo que "diera la cara". No sólo encontró la excepcional imagen que buscaba para su grupo, sino que además las chicas y Bobby podían cantar y actuar en directo. A partir de unas actuaciones en Alemania empezaron a llegar los números 1 por toda Europa. "Daddy Cool" es otra de sus canciones de más éxito.

Poco a poco se convirtieron en uno de los grupos que más contribuyeron a popularizar la música disco en Europa. En España tuvieron mucha fama. En aquellos años, además, los grupos que más vendían aquí solían sacar versiones en castellano de sus éxitos. Boney M no fueron una excepción, y recuerdo con nitidez sus apariciones en TV cantando "Feliz Navidad, Feliz Navidad, Feliz Navidad, próspero año y felicidad...", así como aquella canción que dedicaron a uno de nuestros delincuentes más míticos: "El Lute".

A mediados de los 80 el grupo se descompone, aunque periódicamente se seguían reuniendo para realizar actuaciones puntuales o incluso giras más largas. Cuando ya casi no nos acordábamos de ellos nos llega esta triste noticia. Descansa en paz, Bobby.

Mouth and McNeal

2010-12-18T13:27:00.000+01:00

Hace unos días un alumno mío (un saludo, si lees esto y sabes que eres tú) entró en clase silbando una canción. Hasta ahí, nada raro. Lo que me extrañó es que se trataba de una canción de hace casi 40 años, y no de las más conocidas. Al final el misterio tuvo su explicación: se la había oído tararear a su madre. La buena mujer (y también su hijo) estaba convencida de que estaba tarareando "Ven sin temor" de Bruno Lomas. Se trata de una canción que tuvo su momento allá por la primera mitad de los 70, con un vídeo inquietante y muy de la época que me suena mucho haber visto por la tele, seguramente en alguno de aquellos míticos especiales fin de año de Valerio Lazarov.

En realidad la canción de Bruno Lomas es una versión, como muchos de sus éxitos. La canción original se llama "How do you do", y es del dúo holandés Mouth and McNeal. La pareja formada por Willem Duyn (Mouth) y Sjoukje van't Spijker (Maggie McNeal) se formó en 1971. Ambos, sobre todo Mouth que tenía 13 años más que la jovencita McNeal, tenían una experiencia previa en solitario o con otros grupos. La idea de que formaran pareja artística fue del productor Hans Van Hemert, que ya había conseguido un par de números 1 en su país con otros artistas.

Al poco tiempo Mouth and McNeal publicaron su primer single, "Hey you love", que llegó hasta el número 5 en Holanda.Poca cosa en comparación con el pelotazo que supuso su siguiente lanzamiento: "How do you do".

La canción fue un pelotazo en todo el mundo, llegando al top-10 en los Estados Unidos. El siguiente single también fue un éxito: de nuevo número 1 en su país, y entrando en listas en bastantes otros. La canción se llamaba "Hello-A".

Entonces llegó lo inevitable. En aquellos tiempos cualquier grupo o artista europeo que tuviese cierto éxito acaba pasando por el Festival de Eurovisión. Cierto que, visto desde hoy, puede parecer ridículo, pero os aseguro que en los 60 y los 70 el festival tenía un enorme prestigio y por allí pasaban los mejores de cada casa (dentro del canon que podríamos llamar...ejem...festivalero, vaya). Así que nuestro dúo hizo las maletas y se plantó en Brighton (Reino Unido) para defender a Holanda ante estrellas del relumbrón de Olivia Newton-John, Gigliola Cinquetti o nuestro mitiquísimo Peret. Presentaron la canción "I see a star", una bonita canción de amor que, años después, Mouth desveló que hablaba también del consumo de sustancias estupefacientes ("I see your face, a happy face, it's like a mirror of my mind...")

"I see a star" consiguió un meritorio tercer puesto, quedando en la memoria como una de las mejores canciones que pasaron por el festival en aquellos años. De hecho así queda reflejado en múltiples recopilaciones de canciones eurovisivas que no resultaron vencedoras pero que hoy se consideran clásicos. Claro que la competencia, como he dicho antes, era muy dura ese año: Peret, la Cinquetti, Olivia Newton-John...pero todos ellos, como nuestros amigos Mouth and McNeal, tuvieron que hincar la rodilla ante un grupo desconocido que se convirtió de la noche a la mañana en la mayor sensación eurovisiva de todos los tiempos: ABBA.

Poco tiempo después Mouth y McNeal se separaron y siguieron cada uno su camino. McNeal volvería en 1980 a Eurovisión quedando en quinta posición. Mouth estuvo en diversos grupos, y siguió vinculado de una u otra forma a la música hasta su fallecimiento en el año 2004. McNeal forma parte en la actualidad, junto a otras figuras femeninas holandesas, de un grupo llamado The Dutch Divas.

Para el recuerdo nos queda su genial y pegadiza "How do you do".

Sting sinfónico

2010-10-31T13:14:00.000+01:00

No, no he ido a los conciertos de Sting con orquesta. Aunque hubiese querido me habría resultado imposible, pero tampoco tenía claro si me apetecía.

No dudo que "Russians", "Fragile" o "Englishman in New York" seguramente sonarán perfectas y bonitas con el acompañamiento orquestal. Cuentan que "Roxanne" también ha quedado muy cuca. Pero sigo sin verlo claro.

Y no lo veo claro porque a mí The Police me engancharon a los 13 años con su punk-pop-reggae urgente, visceral y novedoso porque, además de gustarme mucho las canciones, eran la música y la imagen que mi generación necesitaba para fastidiar a nuestros padres, para luchar contra los artistas "superfans" que inundaban las ondas, para rebelarnos contra lo establecido. Una rebelión pueril, seguramente, pero internamente ilusionante. De repente, The Police barrían de un plumazo a los cantantes melódicos y los cantautores plastas. Tal vez sea difícil de entender para los que conocieron a Sting ya crecidito, con su karma, sus cenas con Julían Ruiz en la Toscana, su sexo tántrico, etc., pero entre 1979 y 1982 The Police eran realmente de los pocos grupos en el mundo que conseguían aunar comercialidad y rebelión sin resultar cursis, ridículos ni trasnochados. Algo similar a lo que Nirvana representó una década después.

No veo nada de eso en esta gira de Sting. Ojo, tampoco espero que 30 años después las personas no hayan cambiado. Yo he cambiado bastante, así que el amigo Gordon seguramente también lo habrá hecho. De hecho empezó a cambiar ya antes de finiquitar a The Police, con su Synchronicity, así que no parece casual el título de esta gira sinfónica: "Symphonicity". Tampoco quiero entrar en la eterna discusión de si los músicos se aburguesan con la edad, si se venden a la industria, si esta absorbe todo conato de rebelión juvenil y la acaba convirtiendo en música para las masas, etc. No soy sociólogo ni filósofo, tan sólo un aficionado a la música desde hace casi 40 años. Pero hay cosas con las que uno no debe jugar, y una de ellas son los recuerdos. Y en mis recuerdos musicales de la adolescencia ocupan un lugar muy destacado la innovadora batería de Stuart Copeland y la afilada guitarra de Andy Summers. Comparen ustedes el inicio de "Walking on the moon" (o la anterior interpretación de "Message in a bottle") con la profusión de ieos con que nos regala hoy en sus conciertos.

Intento huir siempre que puedo de la nostalgia, pero hay cosas que me gusta preservar tal como se me quedaron marcadas a fuego en épocas pasadas de mi vida. Y una de esas cosas es la música, áspera, nueva, urgente, fresca, a veces divertida y otras ligeramente amenazante de The Police.

Bruce Springsteen - The River (1980)

2010-10-10T20:56:00.000+02:00

Este mes (diría que hoy mismo) se cumplen 30 años de la publicación de uno de mis discos favoritos de Bruce Springsteen. Un disco que, además, contiene la que casi sin duda alguna es mi canción preferida de Bruce: "The river". Aunque uno empieza ya a entrar en la edad en la que los recuerdos y la fantasía se confunden, creo que en este caso no me equivoco cuando cierro los ojos y me veo a mí mismo con 14 años, echado en la cama, escuchando la radio y apuntando las canciones que me gustaban en una libreta. Debió ser uno de esos días cuando escuché por primera vez aquella armónica que me robó el corazón.

Por supuesto entonces no entendía nada de lo que decía aquella letra, pero ya me parecía a mí que muy feliz no debía ser la canción. Sonaba a lamento, a desgarro. Entonces yo no lo sabía, pero sonaba a oportunidades perdidas, a vidas malgastadas. Pero, como en todas las canciones de Bruce, parecía haber un plan B, un hilo de optimismo, una opción de victoria. Todo aquello era "The River" para mí.

Desde entonces aquella canción se convirtió en una de mis favoritas. Pasó a engrosar la lista de mis canciones "esperadas": aquellas que, cuando sonaban en la radio, me hacían saltar como un resorte a pulsar la tecla REC para grabarlas en cinta.

Poco tiempo después, o puede que fuera antes, me encontré con otra canción que me dejó frito el cerebro de tanto pensar en ella. Así como "The River" empezaba con un trágico solo de armónica, esta otra arrancaba con un optimista y contagioso solo de saxo. Además lo hacía como un falso directo, con jaleo de fondo, como si un grupo de gente entusiasmada estuviese alentando al cantante. Aquella canción era "Sherry darling", y pasó a formar parte de mi exclusivo grupo de canciones perseguidas y capturadas en mi vieja cinta BASF.

"The river" (la canción) y "Sherry Darling" eran como el día y la noche, o más bien como la noche y el día. Si una rezumaba tristeza, la otra desprendía alegría. "The River" hacía pensar, y "Sherry Darling" hacía bailar. Es algo que siempre admiré en Bruce, esa capacidad para plasmar la dualidad de la vida humana en sus canciones.

Pasaron varios años hasta que pude hacerme con "The River" (el disco). Como a casi todos los discos dobles, le sobra alguna canción. Pero me pondrían en un tremendo apuro si me obligaran a decir cuál es la que quitaría.

Bueno, lo cierto es que algunas veces me salto "Independence day", pero sólo si hay alguien más en casa. No me gusta que me vean llorar.

Lo sabía. Casi me pillan.

¿Qué fue de los solos de saxo?

2010-09-30T12:34:00.001+02:00

En los 70 y los 80 los solos de saxo eran algo normal en una canción de pop. En algunos casos era la parte más emocionante de la canción. También es cierto que se hizo alguna pastelada, y que algunos elementos como Kenny G hicieron bastante daño a la causa. Tal vez por eso hace tantos años que no escucho un buen solo de saxo en una canción de actualidad. Es una lástima, los había realmente buenos. Incluso había saxofonistas que se convertían en el punto de atención de muchas bandas, como Clarence Clemons en la E-Street Band, o John Heliwell en Supertramp.

Venga, pues. Ya hay muchos sitios en los que se habla de los grandes guitarristas, baterías, pianistas o vocalistas, así que desde aquí, a contracorriente como casi siempre, voy a hacer un pequeño homenaje a los saxofonistas de las bandas de pop y rock enlazando este maravilloso vídeo que he encontrado en Youtube.

Se habrán fijado en que los vídeos son de los 70. En los 80 empezaron a hacerse cosas un tanto cursis, pero todavía hubo un montón de genialidades. Ahí van unas cuantas.

Grande acabar el vídeo con el final de "Waiting for a friend", ¿verdad? Es una lástima que, como casi siempre y para casi todo, se olviden de Supertramp. No problem, en un momentito lo arreglo...

SUPERTRAMP - The Crime Of The Century

A partir del minuto 03:55 entra Heliwell con su saxo...no es un prodigio de técnica ni hace virguerías, pero para mí es francamente emocionante.

Bueno, seguro que hay más solos de saxo que no han salido en los vídeos, así que les animo a que dejen sus sugerencias y tal vez haya una segunda parte, ¿OK?

2010-09-15T11:05:00.000+02:00

Bueno, pues al final no pudo ser el domingo, pero será hoy. La excusa: la gira que Supertramp realizan estos días por España, y a la que no está invitado Roger Hodgson a pesar de que las actuaciones se siguen promocionando con sus canciones, su voz, y en ocasiones con su imagen (y a pesar de que Roger lo ha solicitado varias veces).

No quiero entrar en cuestiones legales, pero tampoco obviar el hecho de que la empresa de Davies tiene los derechos de las canciones de Supertramp. Pero tampoco puedo olvidar el pacto que, por lo visto, Rick y Roger establecieron para que cada uno hiciera uso de sus propios temas. Si Roger lo está cumpliendo, ¿por qué Rick no?

Vale, son las canciones de Supertramp. Legalmente pueden usarlas. Sin embargo, había otras formas de hacerlo sin engañar a la gente. Por ejemplo anunciando los conciertos sin usar la voz de Roger, sino la del cantante que lo sustituye. O con las canciones de Rick: "From now on", "Goodbye stranger", "Crime of the century", "Downstream", "Bloody well right", "My kind of lady"... Davies tiene canciones de sobra, casi todas geniales, no sólo para promocionar la gira sin engañar a nadie sino incluso para hacer un buen concierto de hora y media. ¿Alguien se imagina un concierto de Phil Collins publicitado con las canciones y la voz de Peter Gabriel, por mucho que legalmente lo pudiese hacer (que no lo sé)? Pues eso.

Ahora sí.

2010-09-10T18:07:00.000+02:00

Hola, queridos y pacientes lectores. Después de un mes de agosto realmente movido, principalmente para bien, y después también del casi obligado parón del inicio de las clases, declaro solemnemente inaugurada la nueva temporada del blog.

El domingo, la primera entrada de este curso.

Saludos!!

The Velvet Candles

2010-07-25T13:35:00.000+02:00

The Velvet Candles son un grupo actual y de aquí. De Cataluña para ser exactos (al menos la mayoría de sus componentes). Sin embargo, hacen una música totalmente fuera del espacio y tiempo en el que vivimos el resto de humanos. En los 50 y primeros 60 se llamaba doo wop, pero algunos pensamos que es simplemente rock'n'roll del bueno, del de toda la vida. El sábado los vi en concierto y pude confirmarlo: ¡eso es rock'n'roll! De acuerdo...vocal...vale, pero a lo que hacen The Velvet Candles (con banda, al menos) no lo puedo calificar de otra forma. ¡Qué tremendas armonías vocales! Pero, también...¡Qué grandes músicos! ¡Qué enormes solos de saxo y de piano!

El ambiente en la sala (El Loco Club, Valencia) fue de cine, literalmente. Les dejo con la crónica que escribí para la web Muzikalia.

La Sala El Loco, en Valencia, tiene un largo pasillo que conduce desde recepción, junto a la calle, hasta la puerta que da entrada a la sala. Entre 20 y 25 metros, calculados a ojo. Pues bien, ese pasillo fue anoche la entrada a otra dimensión. Como el portaviones Nimitz en “El final de la cuenta atrás” (Don Taylor, 1980), o el DeLorean de “Regreso al futuro” (Robert Zemeckis, 1985), los que atravesamos aquel corredor nos vimos transportados a otra época, a un tiempo en el que Dion gobernaba el mundo, Danny Rapp era todavía un crío loco por el doo wop, Peggy Sue aún no se había casado y no llevar tupé estaba mal visto. Incluso los “T-Birds” y las “Pink Ladies” aparcaron sus diferencias ante la perspectiva de una buena velada de rock’n’roll y unas cuantas cervezas bien frías.

El espectáculo que dio el público que ocupaba buena parte de la sala, especialmente las parejas que se atrevieron a bailar (como en los 50, nada de tonterías) en las primeras filas, no tuvo nada que envidiar al que los enormes Velvet Candles ofrecieron desde el escenario. Con sus magníficas cuatro voces, acompañadas por una banda de excelentes músicos que empezaron sonando correctos y profesionales pero que acabaron comiéndose el escenario con unos solos entregadísimos (y algunos improvisados, creo), el anoche cuarteto catalán demostró una solvencia y una calidad contra la cual no pudieron ni el calor achicharrante de los focos ni los problemas de sonido (puntuales y concentrados en unos pocos aunque molestos minutos).

El peso de la actuación vocal lo llevaron Agustí Burriel y Mamen Salvador, con la inestimable, imprescindible y genial aportación de Eduardo y Juan en los coros. El repertorio se basó principalmente en su disco “The Story Of Our Love” (El Toro Records, 2010), del que interpretaron hasta nueve temas. Aunque no me atrevo a destacar ninguno por encima de los demás, porque todos cumplieron a un nivel altísimo, mencionaré “There’s a girl”, “Robot stomp” y “The story of our love” para hacer justicia al hecho de que, siendo composiciones del propio Agustí, no desentonaron en absoluto ante la avalancha de clásicos del doo wop que tuvimos ocasión de disfrutar a lo largo del concierto. Mérito tremendo el de este grupo. Apostaría a que cualquiera que escuche la canción “The story of our love” por primera vez, sin conocer su autoría ni la fecha de grabación, jurará que es un clásico de The Penguins, Dion o Frankie Lymon y sus Teenagers.

A los pocos minutos de empezar la actuación la gente ya estaba moviendo las caderas al ritmo de ese bombazo que es “Sh-Boom” (The Chords). Más adelante tuvimos la oportunidad de ejercitar nuestra nostalgia escuchando el “Dímelo tú” de Los Cinco Latinos. Algunos, los más lanzados, sacaron a bailar a Peggy Sue (¡había decenas de ellas!) con las canciones más movidas, y también cuando sonaba alguna lenta. Pocas veces, por no decir ninguna, he visto un público tan metido en el ambiente de un concierto.

Aunque la gente parecía conocer todas las canciones, el plato fuerte fueron los temás más históricos. No faltaron “One fine day” (esa preciosidad que Goffin y Carole King escribieron para las Chiffons), “Up on the roof” (Drifters), “Runaround Baby” (Kodaks), la emocionante “In the still of the night” (Five Satins) o el “Runaround Sue” de Dion, que anoche, interpretada magistralmente por Mamen, cambió su título por “Stay at home Sue”. Y no me olvido de otro mítico tema: “At the hop” (Danny And The Juniors) sirvió como único y espectacular bis después de que los vocalistas se hubiesen despedido al ritmo de “That’s how I feel” mientras los músicos seguían tocando como posesos.

Finalizado el concierto, junto a un buen amigo que me acompañó al concierto (y que disfrutó tanto como yo, o más), nos dispusimos a salir del local. Al volver a cruzar el largo pasillo, una espesa niebla nos envolvió y nos depositó sobre la acera. Desconcertados como quien se despierta repentinamente de un sueño, vimos que habíamos regresado a nuestra época sin estar muy seguros de si lo que acabábamos de vivir durante hora y media había sido realidad o fantasía.

Afortunadamente, una larga hilera de Harleys frente a la entrada de la sala nos convenció de que no había sido un sueño.

Y hasta aquí la crónica del concierto. The Velvet Candles, como dije, tienen un disco llamado "The story of our love" que es una auténtica maravilla, y del que hablaré también en una próxima entrada (cuando salga la reseña en Muzikalia).

¡Saludos!

Fidel

Roky Erickson with Okkervil River - True love cast out all evil (2010)

2010-07-15T17:03:00.000+02:00

Una de las novedades que tengo preparadas para esta nueva temporada es la inclusión de los artículos y reseñas que vaya publicando en la web Muzikalia, con la que vengo colaborando desde hace ya más de un año. Seguro que muchos de vosotros la conocéis, y si no es así os invito a visitarnos pinchando en el enlace.

Empiezo con una reseña de esta misma semana, la del disco de Roky Erickson and Okkervil River "True love cast out all evil".

Es un día cualquiera de un año cualquiera, a principios de los 70, en una institución psiquiátrica de máxima seguridad de los Estados Unidos. Los celadores, acostumbrados a ver y oír de todo, han construido en su interior una especie de coraza sentimental que les aísla y protege del entorno, haciendo más llevadero su durísimo trabajo. Sin embargo, cada vez que pasan por delante de cierta celda se les sigue encogiendo el corazón. El interno que ocupa aquella habitación no gruñe, ni aúlla, ni lanza gritos espeluznantes en medio de la noche. Aquel interno canta. Toca la guitarra y canta, simplemente.

Una canción, en concreto, hace que los trabajadores intercambien miradas vidriosas. Al interno le faltan algunos dientes y canta en voz baja, pero desde el corredor se le escucha decir “no me importa lo que digan, no me importa lo que piensen, amaré a mi familia siempre” o “de repente ya no estoy enfermo, ven y llévame a casa”.

A veces sienten tanta lástima que intentan hablar con él, a pesar de que lo tienen prohibido. Entonces el interno les comenta que en los 60 tuvo un grupo musical llamado 13th Floor Elevators, que fueron famosos y que tocaron con Janis Joplin. Claro, claro, le consuelan los celadores, sabemos que eres famoso… Entonces el interno sonríe mostrando sus escasos dientes y vuelve a ensimismarse con sus canciones. Pobre diablo…un día dice que es un extraterrestre…al otro afirma ser una estrella de rock…

Pasados unos años, Roky Erickson salió de su internamiento, aunque no de su prisión. Y es que su cárcel era su propia mente. Abandonado por casi todo el mundo, los pocos que se acercaban a él lo hacían para aprovecharse. Se le impidió cobrar royalties de sus canciones, así que tuvo que sobrevivir como pudo. Tras una larga travesía del desierto, algunos artistas empezaron a reivindicar su legado y el de los 13th Floor Elevators. Incluso grabó algunos discos, muchos de los cuales fueron simples ejercicios de extraer el poco zumo que le quedaba a su nombre por parte de los típicos buitres que siempre revolotean alrededor de lo que consideran un cadáver inminente.

Sin embargo Roky Erickson sobrevivió a aquellos malos tiempos. Lo hizo lo bastante como para que su familia, finalmente, decidiera sacarlo del pozo. Años de rehabilitación y de cuidados físicos y psíquicos hicieron de Roky una persona más o menos normal. Pudo volver a actuar en directo de nuevo, e incluso le contrataban para dar charlas sobre música y sobre sus vivencias en los 60. Esta vez, además, tuvo suerte con las personas que le rodeaban. Su manager, Darren Hill, sabía que Erickson guardaba cintas grabadas durante sus años de internamiento, y decidió darles una salida. Quien sabe, tal vez podría hacer de Roky un artista tan respetado como Daniel Johnston. El proyecto, varios CDs repletos de grabaciones de todas sus épocas, llegó hasta el líder de Okkervil River, Will Sheff, que se entusiasmó hasta el punto de decidir que él mismo sería el productor.

Puede ser discutible si la aportación de Sheff y su banda engrandecen o minimizan las canciones de Erickson. De hecho el propio oyente lo puede comprobar por sí mismo, ya que el disco se abre (“Devotional number one”) y se cierra (“God is everywhere”) con dos de esas canciones originales, grabadas de tal forma que a su lado las cintas de Daniel Johnston parecen grabadas por Emerson Lake & Palmer. Esa apertura y cierre del disco, así como toda la secuenciación de las canciones, están pensadas para hacer revivir al oyente, en unos escasos 45 minutos que acaban cerrándose sobre sí mismos y volviendo al principio, lo que ha sido la agitada vida del cantante. Escuchando atentamente como se despide de sus seres queridos (“Ain’t blues too bad”), para posteriormente rogarles que vuelvan a por él (“Be and bring me home”), como clama justicia (“Please Judge”) o como se encomienda a instancias más inmateriales (“True love cast out all evil”), uno no puede centrarse en nimiedades como si la producción es o no excesiva, si “Good bye sweet dreams” está demasiado adornada respecto a lo que prometía en el documental “You’re gonna miss me”, si hay momentos demasiado ruidosos que estropean un disco tan intimista o si la personalidad de Okkervil River destaca demasiado, ocultando el primitivo lamento folk de Erickson. Imposible estar pendiente de esos detalles cuando cada verso hace brotar una nueva lágrima de los ojos del oyente.

ROKY ERICKSON WITH OKKERVIL RIVER - Goodbye sweet dreams

La historia de la música está repleta de locos geniales, de artistas que no obtuvieron su inspiración mirando hacia arriba sino escudriñando el interior de su alma torturada por la enfermedad, la soledad, la desesperación o la demencia. De Beethoven a Syd Barrett, de Brian Wilson a Vic Chesnutt, de Nick Drake a Ian Curtis, todos ellos han esparcido por el mundo gotas de genialidad, obras maestras surgidas del dolor que, paradójicamente, a otros muchos nos han hecho la vida más agradable. A partir de este año hay que sumar otro nombre a la lista: Roky Erickson y este “True love cast out all evil”.

Publicado en Muzikalia (http://muzikalia.com) el 11 de julio de 2010.
Ir al artículo original.

Cuarta temporada

2010-07-13T12:14:00.000+02:00

Hola, queridos lectores. Después de un par de semanas de descanso, oficialmente empezamos con la 4ª temporada del blog. Hemos estrenado nuevo diseño, el cual espero que les guste. Por cierto, agradeceré cualquier opinión sobre el nuevo formato, lo más importante es que les sea cómodo, legible y atractivo a ustedes.

Además del nuevo diseño, habrá alguna novedad más. En breve tendré preparadas las listas Spotify de la 1ª y 2ª temporadas. También se ofrece la posibilidad de compartir las entradas en Facebook o Twitter, entre otras redes sociales.

Espero también poder recuperar el ritmo de escritura, ahora que tengo algo más de tiempo. Seguiré con la entrada mensual de "Hace 40 años", de hecho en unos días tendré colgaré la correspondiente a Junio de 1970.

Un saludo, queridos lectores. Nos vemos pronto.

Fidel

Mayo 1970

2010-06-20T09:36:00.002+02:00

Richard Nixon llegó a la Casa Blanca en 1968, entre otras cosas porque prometió acabar con la Guerra de Vietnam, que tantos disgutos estaba causando a los estadounidenses. Aunque al principio dio algunas muestras de querer cumplir su promesa, Nixon cambió bruscamente de rumbo en abril de 1970 al invadir Camboya. La excusa era que allí estaban los cuarteles generales del Viet-Cong. La realidad es que a los Estados Unidos les interesaba extender en lo posible el conflicto, seguramente porque ya se veían incapaces de arreglar aquello solos. Lo mismo que ocurrió años más tarde con Afganistán, Iraq...pero eso es otra historia.

El 1 de mayo empezaron las protestas en los colegios, institutos y universidades de todo el país. Esa misma noche se celebró una concentración contra la guerra en la Universidad de Kent State, en Ohio. Hubo fiesta, discursos, insultos contra el Gobierno y llamadas a la rebelión estudiantil. El punto culminante de la noche fue una ceremonia durante la cual se enterró, con solemnidad y duelo, un ejemplar de la Constitución de los Estados Unidos. Aquel entierro era el símbolo con el que expresaban su repulsa por una guerra que no había sido formalmente declarada siguiendo las instrucciones de la Carta Magna. En el campus no hubo disturbios de gravedad, pero un grupo de incontrolados tomaron una calle principal de la ciudad, enfrentándose con la policía y provocando graves incidentes que acabaron con la multitud dispersada mediante gases lacrimógenos. Los estudiantes vieron aquello como una agresión de su propia policía, y la rabia fue en aumento. Se convocaron nuevos actos de protesta para el día 4.

El Alcalde de Kent se temía lo peor para esa nueva jornada de protesta, así que pidió una reunión con el Gobernador para tomar medidas de protección que impidieran nuevas batallas campales en la ciudad. La decisión que se tomó fue el envío de varias unidades de la Guardia Nacional, casi 1000 hombres que llegaron el sábado día 2 de mayo a Kent. El panorama que se encontraron fue desolador, con coches volcados e incluso algún edificio incendiando. El día 3 de mayo, el Alcalde pronunció un discurso en el que amenazó a los manifestantes con declarar el estado de emergencia y lanzar a los militares contra ellos si no anulaban los actos previstos para el día 4. Aquello, junto con la presencia de la Guardia Nacional, no hizo sino soliviantar más los ánimos de los estudiantes. Sin embargo, el campus de la Universidad se llenó de carteles en los que se informaba de la prohibición.

De todos modos los manifestantes, tal como estaba previsto, empezaron a ocupar el campus el lunes, 4 de mayo, a mediodía. La Guardia Nacional había tomado el control de las instalaciones, y llamó a los manifestantes a disolverse. Un policía local cogió un megáfono e hizo lo propio, con el mismo escaso resultado. Entonces decidió subirse en un jeep de la Guardia Nacional, acompañado por un par de soldados, y conducir hacia donde estaba la gente mientras seguía haciendo un llamamiento a la calma y pedía que se fueran disgregando sin incidentes.

Los estudiantes consideraron aquello como una agresión y una provocación, y a medida que iba pasando entre ellos el jeep era recibido con una lluvia de piedras que le obligó a retroceder. Entonces alguien ordenó una carga de la Guardia Nacional contra los manifestantes, que tuvieron que retroceder hacia un pequeño promontorio cercano, detrás del cual había un campo de fútbol que estaba rodeado de pequeñas elevaciones de tierra. La maniobra de los estudiantes consistió en hacerse perseguir por los militares y llevarlos hasta allí, mientras ellos se quedaban en las zonas más altas que rodeaban el estadio. Así fue como los miembros de la Guardia Nacional se encontraron en una encerrona digna de la guerrilla más sofisticada: habían ocupado el campo de fútbol pero se encontraban rodeados por miles de enfadados manifestantes que les tiraban piedras desde los cuatro lados del campo. Empezaron a retroceder hasta encontrarse espalda con espalda a los pies de uno de los promontorios, momento en el que algunos de los soldados empezaron a disparar al aire para intentar ahuyentar a sus agresores. En esos momentos de pánico sucedió lo inesperado e inexplicable: algunos soldados empezaron a disparar directamente contra la multitud durante más de 10 segundos. El resultado: diversos heridos de consideración, y cuatro estudiantes muertos. Lejos de aminalarse, aquello enfureció mucho más a los estudiantes, que se lanzaron en masa contra los soldados, arriesgando sus vidas. Hubiera podido ser una carnicería de no ser porque algunos profesores intervinieron, hablando con los responsables de los militares y con los estudiantes. No me puedo imaginar lo que ocurrió en aquellos minutos posteriores al grave enfrentamiento, pero de alguna manera se consiguió evitar una masacre mayor.

¿Y qué tiene que ver con la música todo esto que os cuento? Bastante...mucho...

Seguramente aquel 4 de mayo de 1970 marcó el final de una era. No sólo acabó con el sueño hippie de paz y amor, sino posiblemente también con el sueño americano en general. Que militares norteamericanos abrieran fuego contra sus propios compatriotas desarmados fue un golpe demasiado fuerte. Un punto de inflexión.

En aquel trágico mayo de 1970 también ocurrieron otros acontecimientos, esta vez musicales y más agradables. Por ejemplo, en una paradójica coincidencia, apenas una semana después de los sucesos de Kent se publicó el disco "Woodstock" con el famoso concierto de la paz. También por aquellas fechas vio la luz la película "Let it be", con los Beatles. Otros discos publicados aquel mes fueron, por citar algunos, "ABC" de los Jackson 5, "Live at Leeds" de The Who, "Burrito DeLuxe" de Flying Burrito Brothers, el mencionado "Let it be" o "In the wake of Poseidon" de King Crimson.

Bueno, como este post se está haciendo demasiado largo, os dejo directamente con 3 pelotazos de aquel mayo de 1970. Igual si algún veterano rockero está leyendo esto nos puede contar cómo se vivieron aquellos extraordinarios lanzamientos en su momento. Ahí van.

NORMAN GREENBAUM - Spirit in the sky

THE GUESS WHO - American Woman

FREE - All right now

Este mes el blog cumple ya 3 años. Con intermitencias, pero seguimos adelante con la cuarta temporada con ganas e ilusión, a ver si también con un poco más de tiempo.

Saludos!

Abril 1970

2010-05-15T12:34:00.002+02:00

Abril de 1970. El mes en el que el mundo estuvo pendiente, con el corazón en un puño, del accidentado (y hoy famoso) vuelo del Apolo XIII. También el mes en el que los seguidores de los Beatles se llevaron el disgusto de sus vidas: el 10 de abril Paul McCartney anunciaba que dejaba el grupo. Phil Spector acababa de terminar sus mezclas para "Let it be" y el resultado fue la gota que colmó el vaso de la paciencia de Macca. Al ser preguntado por si la separación del grupo era definitiva, McCartney contestó "no lo sé". Hoy sabemos que, lamentablemente, sí que lo fue. Pocos días después se publicó su disco de debut en solitario, "McCartney".

Apenas un día después, el 11 de abril, se producía otro abandono menos traumático pero también muy importante para la historia de la música en los 70: Peter Green abandonó Fleetwood Mac, su grupo de blues, y nadie daba un duro porque la banda saliera adelante sin su principal ideólogo. Les esperaba una dura travesía del desierto durante unos años, con múltiples entradas y salidas de la formación, hasta que llegaron Lindsey Buckhingham y Stevie Nicks a mediados de los 70 y...bueno, el resto es historia, como suele decirse.

Tal vez ajenos a todo ello, en aquellos mismos días unos chavales ingleses daban la bienvenida a su grupo a un nuevo miembro. Se trataba de un raro y carismático cantante, llegado años antes desde tierras exóticas, que había pasado anteriormente por varios grupos sin demasiado éxito. La personalidad del recién llegado era tan fuerte que en pocos días lo puso todo patas arriba, empezando por las vestimentas, siguiendo por las canciones, y finalmente forzando un cambio de nombre para la banda, un nuevo nombre que hiciera más justicia a los planes de fama y grandilocuencia que tenía en la cabeza el recién llegado. Incluso cambió su propio nombre para hacerlo más llamativo. Así, en abril de 1970 el grupo Smile pasó a llamarse Queen, y Freddie Bulsara sería conocido desde entonces como Freddie Mercury.

El mismo día que McCartney anunciaba la separación de los Beatles, otro artista que llegaría a ser casi tan famoso como ellos lanzaba su segundo disco, aunque prácticamente lo podríamos considerar como su debut. Se trata de Elton John, cuyo disco homónimo se publicó el 10 de abril de 1970. Pocos días después debutó en concierto en los Estados Unidos. Aquel disco incluía una joya de la música pop como "Your song", pero el resto de canciones no desmerecen en absoluto. Una gran obra todavía por descubrir y apreciar, en parte por culpa de la trayectoria del cantante a partir de los 80.

Otros discos editados en abril de 1970 fueron, por ejemplo, "Ladies of the Canyon" de Joni Mitchell, "Bitches Brew" de Miles Davis, o "Live Cream" del entonces ya difunto grupo Cream.

También por aquellos días se estrenó en Inglaterra la película del mítico Festival de Woodstock, la película que, cuentan, salvó las arcas de Warner. Documental que, por cierto, hace pocos meses ha salido por fin en DVD y Blue Ray con casi el 100% de las actuaciones del festival.

Mientras tanto, al otro lado del Atlántico, en Nashville, se estaba grabando una canción no menos mítica: "Get up (I feel like being a) Sex Machine". James Brown en estado puro. Pasen, vean y disfruten.

Commander Cody

2010-04-25T21:47:00.002+02:00

Allá por los años 50 tenían bastante éxito en los Estados Unidos las películas y series de ciencia ficción. Eran los años de la guerra fría, de los inicios de la carrera espacial. Todavía no se había pisado la Luna, así que había lugar en la imaginación de cada uno para las más variopintas posibilidades de su cara oscura o de sus misteriosos cráteres.

Los seriales por capítulos explotaron ese filón. En una de ellas, llamada "Radar men from the moon", aparecía un héroe enmascarado llamado Commando Cody que posteriormente evolucionó hasta convertirse en una especie de rocketmen, uno de esos hombres cohete que causaban furor por entonces.

Más de 10 años después, en 1967, unos estudiantes de la Universidad de Ann Arbor, en Michigan, formaron un grupo musical con el que dar rienda suelta a su pasión por la música country, el rockabilly y los ritmos sureños en general. Fanáticos también de los cómicos futuristas y las series de ciencia ficción, bautizaron a su banda como Commander Cody and his Lost Planets Airmen.

Pocos años después, fascinados por el hervor musical y sociológico que emanaba desde San Francisco en aquellos años, el Comandante y sus muchachos se trasladaron a la ciudad californiana. Durante un tiempo se dedicaron a la misma actividad que ya desarrollaban en Michigan: actuar en bares ofreciendo a la gente una perfecta banda sonora para sus cogorzas de cerveza. Su música era una mezcla de R&B sureño, rockabilly y country-rock cazurro. En 1970 finalmente consiguen un contrato con Paramount, lo que les permite lanzar en 1971 su álbum de debut: "Lost in the ozone". Allí figuraba una canción que rápidamente se convirtió en un clásico de la banda, una versión de una canción country de los 50 llamada "Hot rod Lincoln".

En su canciones reflejaban su fascinación no sólo por la música sureña, sino también por su modo de vida. Eran frecuentes las referencias a coches, carreteras, camioneros, moteles y, en general, a todas esas imágenes que a muchos nos vienen a la cabeza cuando pensamos en los grandes estados norteamericanos del sur y el centro-oeste, con sus largas carreteras sin fin. A los camioneros les gustó que alguien se acordara de ellos, así que adoptaron a la banda como favorita. A su vez, el grupo les dedicó todo un álbum entero: "Hot licks, cold steel and truckers favourites" (1972).

Tras "Country Casanova" (1973), en el que se incluía otro clásico de la banda ("Smoke! smoke! smoke! that cigarrette"), el éxito (relativo) les llegó con su álbum en directo "Live from deep in the heart in Texas" (1974). En ese momento el grupo estaba en condiciones de competir con otro mito del rock cervecero como eran ZZ Top, pero prefirió tirar por el sendero de la parodia al estilo Dr.Hook, y así grabaron "Commander Cody and his lost planet airmen" (1975) para Warner, un disco divertido pero que, por lo que parece, poca gente logró entender y a casi nadie dejó contento.

Un par de años después la banda se había disuelto, dejando tras de sí algunos fans y un puñado de canciones que merecen la pena ser recordadas aunque sea por unos instantes.

Justo en estos días está girando por España el guitarrista Bill Kirchen, miembro fundador del grupo y considerado por muchos el Rey de la Fender Telecaster (vale la pena perder unos minutos con el siguiente vídeo), así que me ha parecido un buen momento para rendir un pequeño homenaje a estos héroes de los esforzados camioneros de los 70.

Marzo, 1970

2010-04-01T12:17:00.007+02:00

En marzo de 1970 el Concorde realizó su primer vuelo supersónico. Era la primera vez que un avión comercial lo conseguía, algo casi de ciencia ficción. La llegada del hombre a la Luna, viajar a la velocidad del sonido...eran tiempos en los que el progreso parecía imparable. Había incluso álbumes de cromos para los peques en los que se aventuraba cómo sería la vida en el año 2000. Por desgracia, fallaron prácticamente todas las previsiones.

En lo que respecta a la música, que es lo que nos interesa, en marzo de 1970 se publicaron varios álbumes interesantes entre los que destacaré tres, como de costumbre:

Van Morrison - Moondance. A mí nunca me ha gustado mucho Van Morrison, pero hay que reconocer que en este álbum está espectacular. Todos hablan de "Astral weeks", pero la lírica y la emoción que desprende este disco, en mi opinión, lo superan con creces. Sería, para los que gusten de Joanna Newsom, como el "Have one on me" después del "Ys".

Crosby, Stills, Nash & Young - Deja vu. El primer disco en el que incluyeron a Neil Young, y se notó. Siguen primando las armonías vocales y la belleza pop ("Teach your children", "Our house"), pero también están las grandes "Helpless" y "Woodstock".

Jimi Hendrix - Band of gypsys. El único directo oficial editado en vida de Hendrix. Ya no estaba la Experience, lo que supuso un jarro de agua fría para algunos pero también una evolución, un nuevo enfoque. Además incluía nuevo material, así que de cualquier manera es un disco muy recomendable. Un poco devaluado por la cantidad de bootlegs, directos, tomas falsas y demás material con que nos han acribillado desde la muerte del guitarrista.

También en marzo de 1970 se publicó el single "Let it be" de los Beatles. El 6 de marzo se puso a la venta el single con "You know my name(Look up the number)" en la cara B. Unas semanas después, hacia el 26 de marzo, Phil Spector le metió mano a la canción para realizar la versión que aparecería en el álbum, más larga y orquestada que la del single.

En esos primeros años de la década hubo diversas muertes trágicas de artistas muy jóvenes: Jim Morrison, Janis Joplin, el propio Hendrix... Sin embargo, pocas veces se menciona la triste desaparición de Tammi Terrell, el 16 de marzo de 1970.

Tammi Terrell nació en 1945, y desde muy joven mostró aptitudes para la música. Después de ganar diversos concursos obtuvo, con apenas 15 años, su primer contrato discográfico. En 1965 fue descubierta por el capo Berry Gordy, que se la llevó a Motown. Allí estaba también otro joven valor llamado Marvin Gaye, al que en Motown por aquel entonces intentaban lanzar como rompecorazones de la compañía, presentándolo en románticas interpretaciones a dúo con estrellas de la casa como Mary Wells o Kim Weston. Sin embargo, la química surgió imparable cuando a Marvin Gaye le asignaron como nueva acompañante a Tammi Terrell. Aquel "Ain't no mountain high enough" es inolvidable.

MARVIN GAYE & TAMMI TERRELL - Ain't no mountain high enough

Mientras todo el mundo se rendía a los pies de la pareja, Tammi Terrell empezó a sufrir desmayos cada vez más persistentes. A finales de 1967 se le diagnosticó un tumor cerebral que la obligó a retirarse de los escenarios. Sin embargo, todavía siguió grabando algunas canciones que después Marvin Gaye regrababa añadiendo su voz. Motown quería seguir explotando el filón, pero tristemente en las últimas grabaciones la voz de Tammi tuvo que ser sustituida por la de otras artistas. Finalmente, el 16 de marzo de 1970, falleció.

Marvin Gaye entró en una profunda depresión que le hizo retirarse de los escenarios durante muchos meses, llegando a plantearse incluso la retirada total de la música. Afortunadamente no fue así, y Marvin supo encauzar su dolor y su desesperación hacia una mayor conciencia de su lugar en el mundo, lo que se tradujo en la obra maestra que es "What's goin' on".

Por cierto, si en el post de febrero 1970 os comentaba que las Supremes seguían adelante sin Diana Ross, en marzo tuvo lugar el primer concierto de Diana en solitario. El segundo single de su álbum de debut fue, precisamente, una versión de "Ain't no mountain high enough".

Como curiosidad, en marzo de 1970 se publicó también el disco de Charles Manson, "Lie", que grabó para intentar recaudar fondos que le ayudaran en su defensa ante las acusaciones que se acumulaban en su contra por los asesinatos de agosto de 1969.

Pero también hubo tiempo para hechos más felices en marzo de 1970, como por ejemplo la boda de David Bowie con Angela Barnett, o el nacimiento de artistas como John Frusciante, Queen Latifah, Sharon Corr (The Corrs) o Mariah Carey.

Y para finalizar lo haré, como otras veces, con un capricho personal. El 21 de marzo de 1970 se celebró la 15ª edición del Festival de Eurovisión. En dura competencia con artistas como Gianni Morandi, Mary Hopkins, o nuestro Julio Iglesias, finalmente venció la irlandesa Dana con una de las canciones más bonitas que han ganado el Festival: "All kinds of everything". A más de uno le repelerá ese aire a Mary Poppins, pero os aseguro que a mí me parece una canción encantadora.

Qué tiempos...

Alex Chilton (1950-2010)

2010-03-21T19:12:00.002+01:00

Hola a todo el mundo.

Los últimos fines de semana he estado muy liado con cosas de trabajo extra, así que al final no he podido postear nada en todo el mes. De vuelta más o menos a la normalidad, para esta semana tenía pensado un tema bastante interesante y entretenido en mi opinión, pero al final el jueves me llegó la noticia del fallecimiento de un gran artista: Alex Chilton.

Sí, estimados lectores: Alex Chilton era un gran artista. Puede que no haya sido tan prolífico como otros genios del pop de su época, que tuviera su bajón durante unos años (bastantes), que su retorno en los últimos tiempos se haya diluido entre tantas y tantas "reunion tour" de estrellas, estrellitas y estrellonas de todo tipo de pelaje y categoría, pero los que conozcan su trayectoria estarán de acuerdo en que Chilton era, sobre todo, un artista en el sentido más estricto y noble de la palabra. Un espíritu libre, alguien de quien se podía decir que era "independiente" sin que la palabra sonara repetitiva, moderniqui y vacía. Un tipo que estaba capacitado, sin duda, para hacer mucho más de lo que hizo (o le dejaron hacer). Un músico con enorme prestigio entre los propios músicos; no sería exagerado decir que las carreras de más de una banda están construidas a partir de canciones compuestas por Chilton o cantadas por él al frente de su banda Big Star.

Con Big Star, como con tantas otras bandas poco conocidas pero de enorme influencia sobre generaciones posteriores, suele pasar que los primeros en reivindicarlas son los músicos profesionales, de forma que cuando su legado llega hasta el aficionado de base lo hace ya a destiempo, filtrado a través de decenas de bandas tributo (formal o estilísticamente hablando), descompasado. No sé si me explico...Me refiero al hecho de que cuando uno lleva 10 años siendo fan de, digamos, Teenage Fanclub, en el momento que escucha por primera vez a Big Star no puede evitar que le suenen a copia de algo mil veces oído. Uno tiene que hacer un cierto esfuerzo para darse cuenta de que su grupo querido es el que copia (o mejor homenajea, o está influido por, que copiar queda muy feo) al recién descubierto, y no al revés. Ey, que conste que yo soy superfan de Teenage Fanclub, que conste, no estoy desprestigiando a nadie...simplemente constato un hecho que nos ocurre a mucha gente con muchos grupos del pasado cuando los descubrimos.

En fin, no me enrollo más...el mismo jueves me propusieron desde Muzikalia hacer un especial para recordar la figura y la trayectoria de Chilton, y al final me salió un tocho de 6 páginas. Para no aburrir a los lectores que no estén interesados en el tema (y de paso hacer algo de publicidad a mi portal musical favorito), cuelgo aquí el enlace. Si les apetece, pasen y lean. Creo que vale la pena perder unos minutos con alguien que dedicó gran parte de su vida a crear música que hiciera algo más feliz a la gente.

Homenaje de Muzikalia a Alex Chilton.

Un saludo.

Febrero, 1970

2010-02-28T20:59:00.012+01:00

Hola a todo el mundo.

Con esta entrada quiero inaugurar una serie de mensajes que, aprovechando que se cumplen 40 años, quiero dedicar a repasar lo que dieron de sí los 70, mi década favorita en lo que a música se refiere. En principio la idea es escribir cada mes un mensaje repasando algunos de los hechos principales que ocurrieron justo 40 años antes. Así pues, empezamos con febrero de 1970.

Hace justo 40 años, en febrero de 1970, los miembros del grupo hasta entonces conocido como Daddy quisieron darle un impulso a su incipiente carrera. Entre otras cosas, decidieron cambiar de nombre. Uno de los miembros del grupo había leído una novela escrita por W.H.Davies cuyo título le llamó la atención, así que propuso tomar de allí su nuevo nombre. Todos aceptaron, y desde entonces serían conocidos como Supertramp.

Siguiendo con mis grupos favoritos, Jeff Lynne decidió hace 40 años abandonar su grupo Idle Race y aceptar la enésima oferta de su colega Roy Wood para formar parte de The Move, aunque muy pronto empezaron a sentir la necesidad de crear un proyecto paralelo con el que dar salida a algunas de sus ideas más novedosas y particulares, proyecto que con el tiempo se convirtió en la Electric Light Orchestra.

Pero dejando aparte mis filias particulares, en febrero de 1970 vieron la luz algunos discos míticos, como el debut de Black Sabbath o el "Morrison Hotel" de los Doors.

Ya que estamos con los discos míticos, el concierto de donde se extrajo "Live at Leeds", el excepcional LP en directo de The Who, tuvo lugar el 14 de febrero de 1970. El disco vio la luz unos cuantos meses después.

En cuanto a canciones, aquel mismo mes las Supremes grabaron su primer single sin Diana Ross, que había abandonado el grupo para dedicarse a su carrera en solitario. La canción escogida fue "Up the ladder of the roof".

En Inglaterra estuvo durante todo el mes como número 1 una canción bubblegum de un grupo llamado Edison Lighthouse, del que una vez escribí algunos comentarios en el blog. La canción se llamaba "Love grows (where my Rosemary goes)" y fue el único éxito del grupo con ese nombre, aunque los productores y músicos de sesión que lo formaban tuvieron algunos éxitos más con otros proyectos similares, algunos de manera casi simultánea.

Mientras, en España, el número 1 se lo repartían a partes iguales el "Himno a la alegría" de Miguel Ríos y el "Venus" de los holandeses Shocking Blue.

Pero el disco que ocupaba los primeros puestos en las listas de medio mundo era el "Bridge over troubled waters" de Simon & Garfunkel. Realmente bajaban las aguas turbulentas para el dúo: el disco estuvo marcado por los enfrentamientos entre Paul Simon y Art Garfunkel, que llegaron a vetarse canciones entre ellos. Incluso así, aquel trabajo incluía gemas tan preciosas como la canción que da título al disco o la genial "The boxer".

Y para despedir este recordatorio a febrero de 1970 os dejo con la versión que Rare Earth hicieron por aquellas fechas de "Get ready", la canción de los Temptations, en una interpretación de unos años después.

Hasta la próxima. Feliz semana.

Margaret Mandolph: toda su historia.

2010-02-12T14:45:00.013+01:00

Hola a todo el mundo.

Este es la entrada que más tiempo me ha llevado escribir desde que empecé con el blog: casi un año. También es la entrada, hasta el momento, con la que más he disfrutado mientras la preparaba, y sin duda la que más ilusión me ha hecho colgar definitivamente. Me gustaría que un poquito de esa ilusión llegara hasta vosotros, queridos lectores.

Haciendo un poco de memoria.

El 12 de octubre de 2008, escribí esta entrada en el blog sobre una casi desconocida cantante de soul de los años 60 llamada Margaret Mandolph.

En busca de Margaret Mandolph.

Más de medio año después, el 31 de mayo de 2009, publiqué una nueva entrada explicando que había conseguido contactar, casi milagrosamente, con la hija de Margaret Mandolph. Nos intercambiamos varios correos y quedamos en que me enviaría información sobre la vida y obra de su madre.

En busca de Margaret Mandolph, 2ª parte.

Finalmente, después de varios meses, me he decidido a poner en orden toda la información que Simonne, la hija de Margaret, me ha ido enviando. Y de paso, voy a hacer justicia a una de las cantantes más enigmáticas y desconocidas que jamás he tenido el gusto de descubrir.

La familia Mandolph.

La historia comienza a mediados de los 50, en Nueva Orleans. Allí vivía un músico de jazz llamado Howard Mandolph que tocaba diversos instrumentos, principalmente el piano. Tuvo cierto renombre en su momento, realizando conciertos por todo el país acompañando a grandes figuras, entre ellos Sam Cooke. Entre sus hijos, sólo Robert parecía querer seguir su camino artístico, llegando a actuar para el Papa y la Reina de Inglaterra cuando era pequeño, como miembro de un coro infantil. Más adelante grabaría algunos discos bajo el nombre de Bobby Mandolph.

La vida era dura para una familia de artistas. Como mucha gente en aquella época, los Mandolph buscaron fortuna en California. Cuando llegaron, a mediados de los 50, se instalaron en Lancaster. Para entonces la familia tenía un nuevo miembro: la pequeña Margaret.

En la soleada California Howard Mandolph siguió con su carrera de éxitos en la sombra, tocando entre otros para Bobby Womack. También compuso diversas canciones, destacando la adaptación de la canción infantil británica “Hickory Dickory Dock” que hizo para Etta James.

David Gates.

Como ya comenté en las entradas anteriores, por aquellos años también se encontraba en California otra familia de aspirantes a artista. Con 200 dólares en el bolsillo, David Gates, su mujer y sus hijos aterrizaron en Los Angeles hacia 1961. David tuvo diversos empleos pero en poco tiempo consiguió un sitio fijo en un club de San Francisco llamado The Crossroads. Allí, además de las actuaciones semanales de David Gates, la atracción era las jam sessions que se celebraban periódicamente, con músicos que, en algunos casos, eran o llegaron más tarde a ser muy conocidos. Por allí pasaron, por ejemplo, Glenn Campbell, James Burton (el creador del solo de guitarra de “Susie Q”), Leon Russell, Jim Horn (saxofonista que tocó diversos instrumentos en el “Pet Sounds”) o Hal Blaine (batería que pronto iba a pasar a la historia por su intro para la mítica canción “Be my baby”). Entre tantas futuras figuras se encontraba también Bobby Mandolph, entonces ya Robert Mandolph Jr.

Pero estábamos hablando de David Gates. Como tantos otros aspirantes a artistas, David pronto empezó a crear sus propias canciones y necesitó músicos de sesión para grabarlas, tal como era común por aquel entonces. Habló con su compañero Robert Mandolph y recurrió a él y su familia para grabar una demo de "Popsicles and Icicles". La canción estaba pensada para un grupo de chicas, así que necesitaban una voz femenina. La pequeña Margaret, que contaba entonces apenas 12 años, fue invitada a participar en las sesiones.

Gates quedó muy impresionado con las cualidades de Margaret, aunque era muy joven para formar parte de un grupo. Finalmente fueron The Murmaids las que grabaron la versión comercial y definitiva de la canción, llevándola hasta el top-3 de las listas de éxitos. Para David Gates fue el comienzo de una carrera brillante como productor, compositor, arreglista e incluso cantante al frente de su banda Bread, ya en los 70.

The Murmaids - Popsicles and icicles

Las canciones de Margaret Mandolph.

David Gates empezó a trabajar con gente muy conocida después de su éxito, pero no olvidó aquella demo con la pequeña Margaret. Pocos meses después le propuso a la familia Mandolph grabar algunas canciones de nuevo con su hija, que ya había cumplido los 13 años.

Gates compuso un par de temas para Margaret, y además consiguió que dos compositores consagrados como Russ Titelman y Cynthia Weill le cedieran otro par: "Something beautiful" y "I wanna make you happy". De ellas "Something beautiful" la que obtuvo el mayor reconocimiento.

Sin embargo, los que habéis seguido esta serie de posts sabéis que la canción que a mí me vuelve loco es “I wanna make you happy”. Es increíble como una chiquilla de 13 años puede cantar de esa manera tan adulta, como puede transmitir la emoción de la entrega amorosa como si la hubiese vivido miles de veces en sus carnes...y como al mismo tiempo la canción rezuma alegría, inocencia juvenil por todos los lados.

Margaret contaba a sus más allegados, años después, que no disfrutó nada haciendo aquellas grabaciones y que no tenía demasiado interés por todo aquello. Casi nunca hablaba de esa época de su vida, y cuando lo hacía comentaba que la experiencia fue más molesta que divertida. De hecho Simonne, una de las dos hijas de Margaret, me dijo que ella y su hermana ni siquiera conocían los nombres de las canciones que grabó su madre hasta que se encontraron con ellas, casualmente, a través de Internet. Sorprendentemente, por lo que me contó, en casa no se guardaba ni una sola copia de aquellos singles.

Margaret Mandolph posa junto a su madre, sosteniendo una copia del single "If you ever need me".

Fue el inicio y prácticamente el final de la carrera musical de Margaret Mandolph.

La niña que no quiso ser estrella.

La pequeña Margaret no tenía, por lo que parece, ninguna intención de seguir explotando aquel filón. Pocos años después manifestó su deseo de retomar sus estudios y abandonar el mundo de la música profesional. Aunque partició en algunas canciones con su hermano, en 1969 lo dejó para terminar sus estudios. Jamás volvería a grabar.

Durante los 70 participó junto a su hermano en diversos espectáculos en directo, siempre en la zona de California Bay. Robert escribía diversos guiones musicales para sus shows, en los que participaban varios miembros de la familia. La madre de Margaret, además, confeccionaba los vestidos para el espectáculo. Llegaron a formar una banda de jazz fusión llamada The Love Joy, pero no registraron ninguna grabación. No fueron famosos, no quedó constancia ninguna de su trabajo…pero eran felices haciendo lo que más les gustaba. Cuenta su hija que, hasta donde ella recuerda, siempre hubo música y teatro en sus vidas, pero Margaret seguía evitando volver a ese mundo del que formó parte brevemente a los 13 años.

Fue entonces cuando les llegó su segundo momento de gloria: participaron en los espectáculos musicales “Hair” y “Jesus Christ Superstar” como bailarines y vocalistas del coro.

En 1982 la familia se mudó a Hawai, y allí Margaret se limitó a cantar ocasionalmente en los coros de la iglesia a la que acudía. Así, poco a poco, se fue desvinculando totalmente del mundo de la música, dedicándose al cuidado de sus hijas.

Cuando volvieron a California en 1988, para instalarse en Sacramento, Margaret ya había olvidado totalmente su vida de artista.

Margaret Mandolph murió en 2002, a los 51 años de edad. Poca gente se acuerda de ella, así que desde este blog he querido poner mi pequeño grano de arena para que el mundo conozca la historia de la niña que no quiso ser una estrella.

Margaret Mandolph en una foto tomada en la década de los 80.

P.D.: Quiero dar las gracias públicamente a Simonne, una de las hijas de Margaret, por su amable contribución a la elaboración de este pequeño homenaje. Thank you very much, Simonne!!

Sugar baby love

2010-01-31T21:08:00.004+01:00

No sé si lo he contado ya alguna vez. Casi 3 años de blog, aunque sea con intermitencias, dan para mucho, así que es posible que en ocasiones me repita.

Mis tíos, el hermano de mi madre y su mujer, tenían un bar en el pueblo. Allí iba yo muchas veces a verlos, a jugar con mis primos, a comprarme un helado, a echarle un vistazo al periódico para ver qué hacían en la tele o los resultados de fútbol. Era un bar pequeño, familiar. Nunca había mucha gente, salvo los sábados por la noche o en las fiestas del pueblo.

Un día llegó al bar un extraño cachivache. No recuerdo cuándo fue exactamente, pero yo tendría alrededor de 9 años, porque ya me dejaban entrar y salir de casa solo. Hay que tener en cuenta que hablo de un pueblo muy pequeño en el que todo el mundo se conocía y donde los críos, desde muy pequeños, correteaban libres y felices por las calle.

Aquel aparato era una gramola. Una sinfonola, creo que la llamaban. La máquina de discos, como decíamos nosotros. Tenía singles de vinilo en una especie de cajón, y echando una moneda podías seleccionar una canción entre una lista. Hoy en día, con tanta información como hay a nuestro alcance, sonará a cuchufleta, pero allí descubrí muchas canciones y artistas que no conocía y que fueron seguramente mis primeros y más queridos descubrimientos musicales.

Yo no echaba monedas porque no iba muy sobrado y aquello me parecía más cosa de mayores, pero muchos días de fiesta me acercaba al bar, compraba un helado o algo de bollería (aquellos míticos Bucaneros, Tigretón, Phoskitos...) y me sentaba en una silla a esperar que alguien tirara una moneda y seleccionara una canción. Sí, ya sé, ya era un friki a los 9 años...qué se le va a hacer...

Entre aquellas canciones había una que me gustaba mucho, y siempre esperaba a ver si alguien se decidía a ponerla. Tenía un inicio espectacular, unos coros brillantes, una melodía exhuberante, transmitía un buen rollo que a mí me llenaba de alegría. Para mí era un momento mágico cuando se acercaba un chico mayor a la máquina, echaba la moneda y acto seguido los altavoces del bar empezaban a irradiar felicidad.

Sólo sabía el nombre de la canción, ni siquiera me había fijado nunca en el nombre del grupo. Y lo mejor de todo es que no sentía que fuera necesario. Cómo echo de menos aquella falta de ansiedad por saber, por analizar, por catalogar, por conocer...aquella sensación de simple disfrute...

Han pasado más de 30 años. Ahora sé que aquel grupo, prefabricado como tantos otros de entonces, se llamaba Rubettes. Sé que la canción la grabaron músicos de sesión, y que de hecho el cantante que puso su voz ni siquiera llegó a ser miembro oficial del grupo. Sé que detrás de las caras bonitas que aparecían en los playbacks televisivos había realmente dos productores y compositores que habían estado con Pete Best en su banda, que llevaban desde principios de los 60 creando canciones y buscando alguien que las cantara hasta que decidieron grabarlas ellos mismos con unos desconocidos músicos de sesión. También sé que la canción estaba pensada como una especie de "demo" para un musical, que luego estaba destinada a ser presentada en Eurovisión, y que finalmente ninguno de aquellos proyectos se llevó a cabo. Simplemente la canción se grabó y esperaron a ver qué pasaba. Pasó que vendió más de 3 millones de singles y fue número 1 en media Europa.

Sí, hoy sé todo eso. No obstante, afortunadamente, cada vez que escucho la canción me olvido de los fríos datos y vuelvo a ser aquel crío de 9 años, sentado en un taburete del bar, que lamía un helado o se comía un pastelito mientras se olvidaba del mundo que le rodeaba cada vez que alguien echaba una moneda en la gramola y pulsaba el botón de "Sugar baby love".

Thunderclap Newman

2010-01-03T20:30:00.006+01:00

Hubo una época, hace ya bastantes años, en que los mejores músicos y compositores no dudaban en regalar canciones a otras bandas. Y digo regalar porque, aunque en ocasiones se tratara de encargos, particulares o de las discográficas, en otros casos eran verdaderos regalos. Sin pensar mucho me viene a la cabeza como Bowie reflotó las carreras de Iggy Pop y Mott The Hoople, o como McCartney lanzó la de Badfinger.

En el caso de Thunderclap Newman la historia fue algo diferente, y mucho más breve. Todo empieza con dos viejos amigos de la adolescencia y compañeros de estudios cuya vida transcurre por senderos bastante diferentes: uno de ellos se llama Pete Townshend y llegará a ser estrella del rock; el otro se llama John David Percy Keen y se convertirá en su chófer y roadie ocasional, siendo este posiblemente el motivo por el que se le conocía como "Speedy" Keen.

A pesar de los diferentes roles que les tocó vivir, su vieja amistad seguía ahí, de manera que John "Speedy" Keen y Townshend compartían, además de muchas horas de carretera, sus inquietudes y aficiones musicales. Un día Keen se decidió a dar el gran paso: le dijo al guitarrista de The Who que había compuesto una canción para ellos. Seguramente esperaba una amigable negativa por respuesta, así que su sorpresa debió ser grande cuando Townshend le comunicó que le gustaba la canción y que la grabarían. Así nació "Armenia, city in the sky", la única canción de los Who que no fue escrita por un miembro del grupo. Con ella abrieron su impresionante álbum "The Who Sell Out".

Keen tenía más canciones que iba mostrando a Townshend, aunque The Who no volverían a usar ninguna de ellas. En cambio, Townshend propuso a su empleado y amigo la posibilidad de formar un grupo para grabar aquellas composiciones. El propio guitarrista se encargaría de tocar el bajo (con un seudónimo curioso, Bijou Drains, que también utilizaría en su disco de 1977 con Ronnie Lane, "Rough mix") y también de reclutar a otros músicos para el proyecto. Uno de ellos era el pianista de jazz Andy "Thunderclap" Newman, que trabajaba entonces como ingeniero de telecomunicaciones; otro fue Jimmy McCulloch, entonces un jovencísimo y prometedor guitarra que más adelante formaría parte de los Wings en su mejor época, antes de fallecer lamentablemente en 1979. El grupo, pensado sólamente como combo de estudio para grabar varias canciones, se llamó como el pianista: Thunderclap Newman.

Muchas veces he comentado que una de las cosas que más me apasionan de la música es, además por supuesto de escucharla, el encuentro con esos momentos asombrosos y mágicos en los que la inspiración visita a un ser hasta entonces anónimo, como vosotros y como yo, y le proporciona sus warholianos 15 minutos (a veces más) de fama. Así le ocurrió a Keen cuando, entre muchas composiciones tirando a vulgares, dio a luz la celebre "Something in the air", que llegó a ser número 1 en Gran Bretaña durante 3 semanas de 1969, justo entre dos mitos como los Beatles y los Stones.

El éxito de la canción, como solía ocurrir muchas veces en aquellos años, hizo que a toda prisa se tuviera que formar un grupo para los directo, entrando Jim Pitman-Avory al bajo para sustituir a Townshend, y Jack McCulloch a la batería. Cuenta la leyenda que, mientras Armstrong se convertía en el primer ser humano en dejar su huella en la Luna, Thunderclap Newman estaban dando un concierto y tocaban justamente "Something in the air".

Con posterioridad grabarían otro single llamado "Accidents" y el LP "Hollywood dream". El sueño de Thunderclup Newman, sin embargo, no duró mucho. Como todos los momentos mágicos e inesperados, no podía alagarse artificialmente por mucho tiempo. Tal como aparecieron, desaparecieron. Andy Newman y "Speedy" Keen grabaron sendos álbumes en solitario, con escaso éxito. Keen posteriormente lo intentó como promotor, compositor, arreglista y productor, llegando incluso a trabajar con grupos como Motörhead o los Heartbreakers de Johnny Thunders. McCulloch, como dije anteriormente, entró en los Wings de Paul McCartney antes de formar parte de una breve reencarnación de Small Faces y fallecer poco después, a finales de la década de los 70. Pero sus nombres, aunque no muy conocidos, quedarán siempre unidos a los de una de las grandes canciones de los 60.

Eric Woolfson

2009-12-06T23:18:00.003+01:00

Esta semana ha fallecido Eric Woolfson. Puede que a algunos el nombre no les diga nada. Otros posiblemente sepan que le puso voz a algunos de los éxitos más importantes de Alan Parsons Project, como la archiconocida "Eye in the sky".

Sin embargo Eric Woolfson no sólo fue la voz de algunos éxitos que suenan en M80, ni un comparsa en el proyecto de Alan Parsons. De hecho, el proyecto era casi totalmente suyo. Prácticamente todas las canciones las compuso Eric, suyas eran las ideas conceptuales detrás de los discos: Poe (una de sus obsesiones), el paso del tiempo, el azar, las máquinas...

Tuve la inmensa suerte de entrevistarle para la revista Muzikalia hace sólo unos meses. Me explico, como siempre hacía, que se sentía más cómodo en el (más o menos) anonimato que le garantizaba que el grupo llevara el nombre de su compañero. Según contó, era una decisión de la que jamás se había arrepentido porque las ventajas de no ser excesivamente conocido pesaban más para él que las posibilidades de la fama.

Hablamos de su nuevo disco, un compendio de canciones rescatadas de sus archivos. Algunas de ellas pertenecen a sus proyectos en solitario, mientras que otras eran descartes de los discos de Alan Parsons Project. Estaba muy contento con el trabajo realizado, con los nuevos arreglos, con poder prestar su voz a canciones que ya había grabado con otros cantantes...

Aunque el motivo de la entrevista era el lanzamiento de su nuevo disco, también estuvimos hablando sobre el pasado. No sólo de su época con Alan Parsons, sino también de sus inicios como compositor y de sus peripecias previas a la formación del grupo. Parecía que tenía muchas cosas que contar, y ganas de hacerlo. Si sabía que estaba enfermo, desde luego en sus respuestas no había ningún indicio de ello. Al contrario, eran las respuestas de un hombre con muchas cosas por hacer y decir. Incluso bromeó (o puede que hablara en serio) sobre la posibilidad de escribir sus memorias.

Woolfson estaba muy ilusionado con su nuevo musical sobre la vida y obra de Edgar Allan Poe, que iba a estrenar pocas semanas después de hacerle la entrevista Le pregunté si iba a pasar por España con su espectáculo y, aunque no confirmó nada, pareció dejar una puertecilla abierta a la esperanza.

Lamentablemente ya no va a poder ser. Descansa en paz, Eric.

KC and The Sunshine Band.

2009-11-15T13:08:00.003+01:00

Cuando se habla de la éra dorada de la música disco, entre 1975 y 1979 más o menos, casi siempre se mencionan los mismos nombres. Casi todo ellos, exceptuando a los grandes Bee Gees, son americanos y negros. Es así porque la música negra, lógicamente, está en la raíz de todo el movimiento y la cultura "disco", que además floreció en los clubes de los Estados Unidos, principalmente en Nueva York.

Hay sin embargo un nombre que pocas veces se menciona, y es que eran un grupo raro. Para empezar el líder era blanco, pero es que encima provenían de la soleada y húmeda Miami. Nada de oscuros clubes ni de ritmos machacones, lo suyo era la luz y la mezcla del funk con los ritmos caribeños. No sé si inventaron algo o si fueron pioneros, pero creo que hay muchos estilos que florecieron entre los 70 y los 80 que le deben bastante a esa anomalía llamada KC & The Sunshine Band.

El grupo empezó como muchos en aquella época: Harry Casey era un trabajador de una tiendas de discos de una ciudad de Florida. Soñaba con ser artista, y frecuentaba TK Records por su trabajo, pero también para observar como funcionaba el mundillo. Sus influencias musicales estaban claras: el funky, el sonido Philadelphia que llegaba desde el norte, y la música caribeña que llegaba desde el sur. También tenía sus ideas, aunque eran un poco raras: trabajando en la tienda notó que los clientes buscaban discos de los que no conocían el título, así que decidió que una canción de éxito debería repetir el título de forma machacona. A veces de la tontería más simple puede surgir todo un subgénero musical...

Sus primeras canciones como KC & The Sunshine Band, junto al productor y bajista Richard Finch, tuvieron cierta repercusión, aunque principalmente a nivel local. Posteriormente añadieron algunos miembros fijos a la banda con la idea de expandir un poco más su sonido. Un día, mientras el grupo improvisaba en el estudio de TK Records, obtuvieron como resultado un instrumental entretenido, un medio tiempo bailongo y suave, al estilo de los éxitos de Barry White. No tenía letra todavía, y ni siquiera habían pensado que aquello pudiera convertirse en una canción. Pero por allí pasaba George McRae, otro habitual de la compañía, que escuchó la demo. Le gustó, entró al estudio y entre todos en un momento prepararon una letra para la canción. KC y su colega no alcanzaban las notas más altas tal como las habían creado, así que le propusieron a McRae que la cantara él mismo. Era 1974, y todo sucedió en pocos minutos, pero el resultado ha pasado a la posteridad.

Espoleados por el éxito que tuvo su composición, Casey (KC) y su compañero Finch montaron la banda definitiva, con muchos músicos, instrumentos de viento, trajes de lentejuelas, y todo lo que hiciera falta para conseguir el éxito para ellos mismos. Su primer disco, lanzado tal vez precipitadamente antes de acabar 1974, no tuvo demasiado éxito. Pero durante los siguientes meses crearon unas cuantas canciones más en la misma línea, las pulieron en sus actuaciones, y lanzaron en 1975 su segundo LP: "KC & The Sunshine Band". Tocados por la varita mágica de las musas, aquel disco incluía tres grandes pelotazos que les llevaron al triple platino, a sonar en todas las emisoras de música disco, y a alcanzar la inmortalidad musical a cargo de las radios oldies y los recopilatorios discotequeros: "That's the way (I like it)", "Get down tonight" y "Boogie shoes". El excepcional trabajo de Finch al bajo en estas canciones, escasamente reconocido, marcaría un estilo que segurían después grupos como Chic, por ejemplo.

Para crear ese tipo de canciones no hacía falta estrujarse mucho la cabeza (aunque sí para hacerlas tan adictivas, pero eso era su especialidad), así que en 1976 ya tenían otro grupo de apuestas ganadoras, entre ellas "(Shake shake shake) shake your booty" y "I'm your boogie man". Todas muy parecidas entre sí, todas geniales.

Luego su estrella, como casi todas las de la música disco, se fue apagando. Sin embargo, todavía tuvieron una oportunidad más para cimentar su pequeña leyenda, y de paso para darse a conocer a un pequeñajo de 13 años que, gracias a un amigo que se la pasó en una cinta, se enamoró de la canción que les llevó a ser el primer número uno de la década de los 80. Aquella canción era una balada. No, qué digo balada...para un jovencillo romanticón e impresionable como yo, aquello era...¡¡era un baladón!!. Era la lacrimógena "Please don't go". Sí, esa del remix que tuvo bastante éxito años después.

El grupo no tardó mucho en separarse. En los 80 sacaron alguna cosilla que pasó desapercibida. En los 90 por lo visto Harry Casey resucitó a la banda, y pasó a ser una estrella del circuito "oldies" de los Estados Unidos. Hay por ahí actuaciones suyas recientes, con muchísimos kilos de más y escaso glamour, pero que no tienen por qué empañar la excelencia de lo que crearon en su momento. Un grupo para la pequeña y gran historia de la música de los 70.

Suzanne Vega, más allá de "Luka".

2009-11-01T23:29:00.002+01:00

Suzanne Vega es uno de esos nombres que la mayoría de la gente catalogamos, sin pararnos mucho a pensar, como “one-hit wonder”. La popularidad de su canción “Luka” es tal que ha eclipsado totalmente, no digo que sin merecimiento, al resto de su creación. Pero hay que decir que Suzanne Vega es más, bastante más, que sólo aquel éxito de 1987. Tal vez sea el momento de reivindicar su carrera artística de manera global, y no esperar a su desaparición como tristemente pasa con muchos artistas.

Suzanne nació en California en 1959. Su madre era una análista de sistemas informáticos (¡¡en 1959!!) además de guitarrista de jazz, y su padre llevaba en sus venas sangre escocesa, irlandesa e inglesa. Al cabo de poco tiempo sus padres se separaron, y su madre se volvió a casar con un profesor y escritor portorriqueño llamado Ed Vega. Con apenas 2 años, Suzanne Vega se trasladó con su madre y su padrastro a Nueva York, instalándose en el barrio conocido como Spanish Harlem. Allí creció Suzanne, rodeada de influencias artísticas y musicales tanto en su familia como en la calle, escuchando canciones folk que ella misma aprendió a tocar con su guitarra antes de cumplir los 11 años.

A los 14 empezó a escribir sus propias canciones, influenciada por Dylan, Joan Baez, Judy Collins y otros artistas folk que todavía gozaban de un gran prestigio en una ciudad que, no obstante, era ya un batiburrillo de sonidos entre los que se presagiaba ya lo que el mundo conocería como punk. Suzanne empezó diversos estudios artísticos: danza, literatura… Sin embargo, la música era lo que más absorbía su tiempo, sobre todo después de asistir a un concierto de Lou Reed que la dejó impresionada y la decidió a centrarse en sus canciones. Empezó a tocar en locales del West Side y de Greenwich Village y a ser algo conocida en el mundillo, de manera que cuando en 1982 se lanzó la seminal revista CooP (más tarde Fast Folk), Suzanne Vega pasó a ser una habitual de los discos que acompañaban cada nuevo número de la publicación. Justamente en el disco que acompañaba el primer número tras el cambio de nombre aparecía la primera versión de “Tom’s diner”, un tema que Vega compuso para piano pero que, ante su incapacidad para tocar bien el instrumento, acabó cantando a cappella. En esos años evolucionó de una especie de imitadora de Joan Baez hasta desarrollar una personalidad propia, con su personalísima voz y esa forma de cantar sin alteraciones, contenida, casi como si estuviera hablando tranquilamente en voz baja, emocionante.

No obstante, no era el momento más propicio para los cantantes de folk, en plena eclosión de la new-wave, el post punk, el tecno pop y otras moderneces. Pero ella siguió empecinada y al final consiguió que algunas personas confiaran en ella, de forma que en 1985 grabó su disco de debut, “Suzanne Vega”, una maravilla pop-folk en la que destacaban canciones como “Cracking”, “Some journey” (ambas rescatadas de los primeros números de CooP) o el single “Marlene on the wall” que fue éxito en Gran Bretaña; de hecho, el álbum entero llegó a ser disco de platino.

Tras un éxito así, había que tener mucha confianza para abrir su siguiente disco, “Solitude standing” (1987), con “Tom’s diner”, aquella canción a cappella que estrenó en Fast Folk años atrás. Una introducción al disco rara y que dejaba al oyente descolocado…justamente lo que se pretendía, descolocar al oyente y dejarlo sin defensas ante el bombazo que venía después: la archifamosa, y no por ello menos meritoria, “Luka”. El recuerdo de la primera vez que la escuché en la radio, hace ya más de 20 años, todavía me pone la carne de gallina.

Una vez más, el tremendo éxito de un single hace que muchos, yo incluido, no prestáramos la suficiente atención a un álbum que estaba repleto de preciosas joyas, como por ejemplo “Gypsy”.

SUZANNE VEGA-GYPSY (LIVE)
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Su carrera posterior consistió en ir sacando buenos discos, con algunos excelentes temas y bastante bien acogidos por la crítica, pero casi ignorados por el gran público, que seguíamos escuchando “Luka” en las radiofórmulas y pensando que esa canción había nacido por generación espontánea, o algo así.

A principios de los 90, y por diversas circunstancias, Suzanne Vega tuvo su segundo gran momento en los medios de comunicación. Por un lado, apareció el formato de compresión musical conocido y posteriormente popularizado como MP3. ¿Y qué tiene eso que ver con Suzanne? Mucho, ya que Karl-Heinz Brandenburg usó una copia en CD de “Tom’s Diner” para perfeccionar y darle los toques definitivos a su algoritmo de compresión. Al ser una canción a cappella, y con pocas variaciones melódicas, era más fácil encontrar y solucionar las imperfecciones generadas por el algoritmo de compresión, al tiempo que se convertía en un desafío intentar comprimir todavía más aquella canción que no tenía ni una micronota que sobrara. Por otra parte, el mismo tema se puso de actualidad de nuevo cuando en 1990 el grupo británico DNA lanzó su famoso remix de la canción.

Suzanne se casó con Mitchell Froom en la década de los noventa. Su marido era un músico y productor con cierto gusto por la música industrial y de vanguardia, algo que de alguna forma se reflejó en los discos que Suzanne grabó durante aquella década. No obstante, también grabó temas más ortodoxos que en algunos casos pasaron a formar parte de bandas sonoras como "La verdad sobre perros y gatos" o "Pena de muerte". Y alguna que otra nueva gema pop, como "Book of dreams".

Suzanne Vega - Book Of Dreams
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El principio de la última década no fue demasiado agradable para Suzanne. Se divorció de su marido; lanzó su primer disco tras la separación, "Songs in red and gray", pocos días después de los ataques a las Torres Gemelas; finalmente, su hermano Tim Vega, que precisamente se había salvado del 11-S al no acudir a trabajar por estar enfermo, murió en el año 2002. A pesar de todo Suzanne todavía mantiene las ganas de trabajar y sacar buenos discos, como "Beauty & Crime" (2007).

Suzanne Vega, lejos de quedarse anclada y acomodada en los 80 o en el tipo de música que la hizo famosa, se ha revelado como una artista inquieta e innovadora. Fue la primera cantante famosa en actuar en el mundo virtual de Second Life, ha colaborado en proyectos como "Dark night of the soul" con Danger Mouse y Sparklehorse, actúa en numerosos festivales benéficos y es una activa defensora de los artistas norteamericanos independientes.

"Luka" es una grandísima canción, pero más allá de su mayor éxito lo cierto es que Suzanne Vega se merecía por lo menos un breve recorrido por su extensa trayectoria musical.

La luz al final del túnel.

2009-10-29T21:29:00.002+01:00

Hola, queridos lectores. En los últimos días han pasado cosas. Un comentario por aquí, una canción por allá... He vuelto a sentirlo. Si, me refiero a ese cosquilleo que sube por la espalda cuando escuchas las primeras notas de cierta canción, el sonido de una guitarra, un coro de angelicales voces femeninas, el sonido de la aguja sobre el vinilo...

Además parece que las aguas van volviendo a su cauce, y todo lo que hace un mes me parecía insoportable ahora va convirtiéndose en una suave rutina.

En resumen, que no les quiero aburrir mucho: vuelvo.

Días de caos

2009-09-11T20:28:00.002+02:00

Hola a todo el mundo.

En los últimos 15 días he sentido el impulso, al menos en cinco ocasiones, de venir aquí a despedirme y dar por cerrado el blog. Pero cada vez que he tenido la tentación he pensado que no, que ya vendrían días mejores.

Y es que empieza el curso, y además este año con cambio de centro después de 5 años. Casi un empezar de nuevo, volver a aprenderlo todo. Estimulante, sí, pero también estresante y agotador mentalmente. Al menos para mí, una persona poco dada a los cambios.

Así que estos días no han sido los mejores para mí. No, no es depresión postvacacional, eso es una enfermedad de las muchas que se ha inventado la psiquiatría moderna para asegurarse la clientela. Es normal sentirse deprimido cuando terminan las vacaciones, salvo que uno disfrute más trabajando que tumbado en la playa, lo que no es mi caso. Y, salvo que alguien me convenza de lo contrario, no es lo mismo sentirse deprimido que tener una depresión.

En fin, que entre unas cosas y otras mi estado de ánimo no es el idóneo para sentarme a escribir un post como los que a mí me gustan.

El lunes empiezan por fin las clases. En unos días me haré cargo de la situación, veré si hay mucho trabajo, poco, demasiado...y conseguiré lo que yo necesito para poder seguir adelante con mis cosas: una cierta rutina y estabilidad mental. O al menos eso espero.

Lamento mucho estas semanas sin dar señales de vida. También lamento profundamente no haber podido dedicar un rato a escribir algo sobre la recientemente fallecida Ellie Greenwich. Ella se merecía algo más que colgar un vídeo y escribir dos párrafos, y no me he sentido capaz de rendirle el homenaje que requería un talento de su calibre.

Al menos, a modo de triste y cutre despedida, oiremos una vez más su archifamoso himno adolescente (ya, no era exclusivamente suyo, pero no nos engañemos: una canción así sólo la podía parir una mujer).

No me borren todavía de sus RSS, feeds o como se llamen esos inventos diabólicos. Volveré. Y no creo que tarde demasiado, aunque nunca se sabe.

Un abrazo.

Fidel

Recordando a...Sniff 'n' the Tears

2009-08-23T21:36:00.002+02:00

Hola a todo el mundo. Después de un pequeño paréntesis motivado por las fiestas de mi pueblo natal (no, este año no me he disfrazado de Elvis, jeje...), aquí estoy de nuevo. Esta semana para hablar de un artista cuyo nombre no es muy conocido: Paul Roberts. Resulta que es un pintor bastante cotizado que ha expuesto en museos importantes de todo el mundo. Resulta también que era el cantante de un grupo de new wave que tuvo un gran éxito con una canción y del cual después prácticamente nada más se supo: Sniff 'n' The Tears.

Pongamos que estamos en 1973, más o menos, y que un chaval llamado Paul Roberts se debate entre su amor por la pintura y su afición a la música. Estudia en varios colegios de arte en Gales, donde pasa unos años, y empieza a pintar y a exponer sus cuadros. Al mismo tiempo forma un grupo, hacen algunos bolos, pero nada importante. Se disuelven antes de encontrar a nadie que apueste por ellos. Paul, desencantado con su aventura musical, se marcha a París decidido a lanzarse como pintor de éxito.

En París, no obstante, sigue con el gusanillo de la música. Al mismo tiempo que pinta y realiza algunas exposiciones (en la Gallerie de la Passerelle y, sobre todo, en 1975 en el Museo de Arte Moderno de París) graba una maqueta que pasea por varias compañías, nuevamente sin éxito. No obstante, se le piden algunas canciones para un grupo llamado Paris Palace Hotel, grupo que tampoco consigue ninguna repercusión importante, aunque...algunos años después, el vocalista de aquel grupo de breve vida se lanzó en solitario con un tema que Paul Roberts asegura que formaba parte de sus composiciones para la banda. El vocalista se llamaba Patrick Hernández, y la canción que Roberts reclama como propia es la archiconocida "Born to be alive".

A partir de aquí circulan dos versiones distintas de la historia, vamos primero con la versión que parece un poco retocada respecto a la realidad.

Según la Wikipedia y Allmusic el ex batería de Ashes to Moon (el primer grupo de Roberts), Luigi Salvoni, llega de alguna extraña forma a escuchar una de las demos que Paul Roberts ha dejado durante su estancia en Paris. Logra ponerse en contacto con Roberts y le propone reformar la vieja banda. Roberts asiente, pero quiere el control. De momento hay cambio de nombre: se llamarán Sniff 'n' the Tears.

Ahora vamos con la versión que los propios Roberts y Salvoni cuentan en el libreto de su disco "Fickle Heart".

Según cuentan ellos mismos, la primera vez que se ven es en 1975, en un concierto de la banda de Salvoni, llamada precisamente Moon. Roberts le propone a Salvoni montar una banda con músicos de sesión para grabar algunas de sus demos parisinas. Salvoni recluta a algunos miembros de su grupo, más un teclista y un segundo guitarrista. Graban las demos de Roberts, este le da una cinta a Salvoni, le dice que ya tendrá noticias suyas y sus caminos se separan. Sigue sin ocurrir nada con la carrera musical de Paul Roberts, pero la pictórica lleva un camino bastante interesante. Tanto, que en 1977 The Observer publica en portada una de sus pinturas hiperrealistas; pinturas cuya temática consiste, principalmente, en sugerentes mujeres ligeras de ropa o desnudas. Salvoni, que ha sido expulsado de Moon, lee el periódico e identifica a Roberts. Entonces se acuerda de la cinta, la vuelve a escuchar y le suena mucho mejor ahora que la new wave asoma por el horizonte. Unos conocidos suyos acaban de montar una discográfica independiente, Chiswick Records, y Salvoni llama a Paul Roberts para proponerle una audición para la compañía. A la gente de Chiswick le gusta lo que oyen, y firman a Salvoni y Roberts con el nombre de Sniff 'n' the Tears. Salvoni recluta a diversos músicos para grabar el primer LP de la banda: "Fickle heart". La portada, que muchos pensábamos que era una foto, mostraba realmente una de las pinturas más recientes de Roberts, que además daba nombre al disco.

"Fickle heart", que se lanzó en 1978, contenía prácticamente todas las canciones que Roberts había grabado en su maqueta parisina, y luego había vuelto a grabar con la banda de Salvoni. Una de esas canciones tenía ya más de 5 años y desde entonces había paseado, sin éxito, por un montón de discográficas. En Chiswick, sin embargo, le vieron potencial. Alguien sugirió cambiar el principio de la canción para que empezara suavemente, con la guitarra acústica de Roberts tocando un riff sencillo y que se le fueran uniendo poco todos los instrumentos, siguiendo al teclado que marcaría el ritmo y culminando con la entrada triunfal de la guitarra eléctrica y luego la personal voz de Roberts. Hay que decir que, aunque muchas veces las decisiones de las discográficas contribuyen a destrozar las canciones, en este caso acertaron de pleno. La canción, la archifamosa "Driver's seat", alcanzó un tremendo éxito en un montón de países, hasta el punto que Sniff 'n' the Tears son considerados casi un paradigma de lo que es un "one-hit wonder".

Y más o menos es así, porque a pesar de editar un par de LPs más antes de disolverse, y alguno más tras un par de reuniones a lo largo de la década de los 90, prácticamente nada más sabemos de la banda de Paul Roberts y Luigi Salvoni. Casi es más sencillo encontrar información de Roberts como pintor, ya que parece que le ha ido bastante bien. De hecho, en su entrada de la Wikipedia figura como pintor y no como músico. En su web personal pueden verse muchas de sus pinturas.

Por cierto, el LP "Fickle heart" está bastante bien. Las canciones que acompañan a "Driver's seat" no tienen su potencial pero tampoco pueden considerarse todas como relleno. "New lines on love" o "This side of the blue horizon" siguen la línea melancólica-oscurilla de su gran éxito, mientras que hay otras más rockeras como "Carve your name on my door" o sobre todo "Rock 'n' roll music" (que no tiene nada que ver con la canción de Chuck Berry).

En fin, esta es la historia de esta semana. Una banda que no cambió la vida de nadie, seguramente, pero que me apetecía recordar más que nada por aquellas tardes del sábado, en mi casita de la montaña, viéndoles actuar en aquel mítico programa llamado Aplauso. Para eso son los recuerdos, para acordarse.

Stevie Nicks

2009-08-09T21:59:00.003+02:00

Hola a todos.

Si la memoria no me falla, es la primera vez que aparece en el blog una de mis voces preferidas de la historia de la música, además de mi amor platónico durante muchos años en mi adolescencia. Creo que ya iba siendo hora. Sorry, Stevie.

No creo que pueda olvidar jamás la primera vez que escuché su voz. Puede que ayudara el hecho de que fuera de noche y yo estuviera en la cama en una especie de duermevela. Sí, seguramente a la luz del día y haciendo otras cosas a la vez el efecto no hubiese sido el mismo. De hecho, jamás he vuelto a sentir la misma sensación en los cientos (¿ miles?) de veces que la he vuelto a escuchar. Y es que aquel sentimiento es irrepetible, lógicamente, porque sólo hay una primera vez para todo. Y mi primera vez con Stevie Nicks fue aquella.

Aquella primera estaba en la cama, medio dormido tal como he dicho antes, y en la radio sonó la que inmediatamente se convirtió en una de mis canciones favoritas de todos los tiempos: "Gypsy".

No sé si hasta entonces, hablamos posiblemente de 1983, había escuchado alguna canción de Fleetwood Mac. Es posible que así fuera y que no le hubiese prestado demasiada atención, no lo puedo asegurar. Pero a partir de ese momento quise escucharlo todo y saberlo todo de aquel grupo. Por supuesto, en cuanto tuve ocasión me compré el cassette de "Mirage", el disco que contenía aquella maravilla de canción. Me decepcionó un poco, como siempre me solía ocurrir por entonces. Me obsesionaba con una canción, la escuchaba de manera compulsiva, y si me compraba el disco por lo general me llevaba una decepción. Así, a base de disgustos, fue como desarrollé mi fijación por los recopilatorios y las canciones sueltas, pero de eso creo que ya hablé en su momento.

Así fue como me enteré de la historia del grupo. Supe que empezaron como un combo de blues, con Peter Green al frente. Que a principios de los 70 tuvieron muchos cambios en su formación, hasta que llegaron Lindsey Buckhingham y mi adorada Stevie Nicks. Por cierto, algún día tendría que hablar de la etapa menos conocida de los Fleetwood Mac, la de la transición, más o menos entre 1970 y 1974 (sobre todo con Bob Welch al frente), y de las verdaderas maravillas que se pueden encontrar en sus discos de esos años.

También supe de los romances, los amoríos, las decepciones, las rupturas, los odios y las venganzas. Está claro que también supe de la música...vaya, principalmente era la música lo que más me interesaba. Sobre todo de la época dorada, con Stevie Nicks al micrófono en la mayoría de los temas que me gustaban. Digamos que Fleetwood Mac eran el camino necesario para llegar a lo que verdaderamente me interesaba, que era la enigmática mujer que se escondía tras aquella misteriosa y embrujadora voz.

Y así fue como mi enamoramiento se completó con canciones como "Sara" o "Dreams".

Fueron pasando los años, y poco a poco los Fleetwood Mac se fueron alejando de mí, con tantas separaciones, disputas y reconciliaciones. Stevie Nicks me seguía enamorando con sus canciones antiguas, pero no estaba pendiente de su actualidad. Para mí era como conocer a una bruja buena de la Edad Media y seguir sus andanzas desde la comodidad del siglo XX. La verdad es que ni siquiera me planteaba la posibilidad de que pudiese seguir en activo en los 90, haciendo algo que me lograra interesar.

Pero de cuando en cuando me llevaba alguna sorpresa. Como hace 4 ó 5 años cuando redescubrí, gracias a una versión en directo de su reunión en 1997, esa tierna y deslumbrante canción que se llama "Landslide".

Hablando de sorpresas, ninguna como la que me llevé hace sólo un par de años como mucho, cuando descubrí mi vídeo favorito de Stevie Nicks. No crean que digo mi vídeo favorito como podría decir mi canción favorita; de hecho, la canción que canta en el vídeo jamás me había gustado, y cuando volví a escuchar la versión original para ver si me había perdido algo durante todos estos años, siguió sin decirme nada. Pero el vídeo me enamoró. Despojada de sus ropajes hippies, sus túnicas, su espectacular melena (lisa o rizada, tanto da) y sus kilos de maquillaje, se revelaba en todo su humano esplendor, en su mundana pero inigualable belleza, y encima se mostraba juguetona, simpática, cercana, entrañable. Fuerte pero frágil a la vez.

Mi pequeña y adorada Stevie era de verdad.

I love you, gypsy.

Espejos y cumbres borrascosas.

2009-08-02T21:09:00.003+02:00

Hola a todo el mundo.

Si buscan en Internet la expresión "Estado mental alterado" (o "Altered mental state"), encontrarán multitud de páginas de información médica, diagnosis, síntomas, características y demás definiciones y explicaciones científicas. En algunas de ellas se puede leer un largo listado de las causas que pueden inducir un transtorno mental de ese tipo: desde el alcohol, los sedantes o las drogas hasta enfermedades como la neumonía o la meningitis.

Es bien sabido que en los 60 la música y las sustancias estupefacientes formaban un fenomenal equipo en lo que se refiere a alteraciones mentales. La época hippy, el verano del amor, la psicodelia...Todo aquello, como seguro sabrán, acabó bastante trágicamente en 1969 por diversas causas. Desde entonces, y cada vez más, las drogas son vistas como algo dañino, perjudicial, prohibiendo y metiendo en un mismo saco todas las sustancias que pueden influir de alguna forma en nuestro estado mental. Seguramente ganamos en salud lo que perdemos en otras cosas, pero ese es otro tema.

En ocasiones, es suficiente con escuchar una canción para saltar al otro lado. Mundos mágicos, hechiceras, dragones y mazmorras, guerreros, caballos alados, hadas y princesas...todo eso nos espera al otro lado de un espejo al que muchas veces rehusamos mirar por miedo.

Entre 1978 y 1979 viajé en sueños decenas de veces al otro lado del espejo. Con 12/13 años, una infancia difícil y una personalidad atormentada, enamoradiza e imaginativa, sólo hacía falta algún pequeño estímulo para disparar mis particulares estados mentales alterados. En ellos vivía vidas en las que mis problemas personales desaparecían y me convertía en la persona que jamas fui ni me acercaré a ser. Me convertía en el yo soñado, tomaba las riendas de mi vida, aunque sólo fuera durante 3 ó 4 minutos.

Por entonces apenas entendía nada de inglés, así que no sabía qué decían las canciones ni su significado, pero a veces era mejor así: dejar volar la imaginación, inventarte tu propia historia en la que eres el protagonista, decidir el final.

Dos son las canciones que recuerdo con más claridad, principalmente porque las sigo escuchando una y otra vez 30 años después. Y todavía ahora me siguen llevando a otros mundos, aquellos en los que puedo ser otra persona distinta.

¿O tal vez no? ¿Y si en esos otros mundos, en esos estados alterados de conciencia, cuando nos liberamos de las ataduras del pasado y cortamos con nuestra herencia genética, es cuando realmente somos nosotros mismos?

Cuidado con la oscuridad, cuidado con la tristeza.

2009-07-26T22:41:00.004+02:00

Hola a todo el mundo.

Hace unos 3 años escuché un disco que me cautivó desde el primer momento. Era un disco de versiones: "Under the covers, Vol. 1" se llamaba, y sus autores eran Matthew Sweet y Susanna Hoffs (Bangles). Con un gusto exquisito habían seleccionado 15 canciones de la década de los 60 (bueno, se coló alguna de 1970) y las interpretaron respetando los originales pero añadiendo un toque pop que resultó mágico. Todo el disco era increíble, pero la última canción me convenció del todo. Era una maravillosa versión de una canción poco conocida de mis adorados Bee Gees, "Run to me", que escuché compulsivamente durante semanas y que casi acabé prefiriendo al original.

El nombre del disco hacía presagiar, sin estrujarse mucho los sesos, que habría un segundo volumen. Y voilà, hace poco se ha lanzado "Under the covers, Vol. 2", esta vez con versiones de clásicos (y algunos no tan clásicos) de la década de los 70. Todavía no lo he podido escuchar entero, pero no importa porque no es del disco de Matthew y Susanna de lo que les quería hablar esta noche, sino de una de las canciones originales que interpretan en esta segunda entrega.

Cuando me enteré del lanzamiento de "Under the covers, Vol.2", mi primer pensamiento fue intentar averiguar qué canciones iban a incluir esta vez. Estuve unos días buscando la lista y finalmente la encontré. Enseguida me fijé: otra vez la última canción. Todavía no he escuchado la versión del disco, no me atrevo a hacerlo de momento... Y es que en este caso me resulta casi imposible que alguien pueda superar a la original, esa "Beware of darkness" impregnada de tristeza, de melancolía y de un misterioso aliento que, al tiempo que te advierte de los peligros y desventuras de la vida, parece señalar el camino correcto.

Y qué maravillosa interpretación de George en el concierto por Bangladesh...hierático, majestuoso, qué sensación de paz a pesar de las terribles advertencias que nos transmite...

Cuánta razón tenía el bueno de George Harrison. Cuidado con los líderes codiciosos...con esos pensamientos obsesivos que se instalan en tu cabeza...con la desesperanza que te ronda en las últimas horas de la noche...cuidado con la tristeza...

...cuidado con la oscuridad...

Después del FIB, empieza la 3ª temporada del blog.

2009-07-22T18:10:00.004+02:00

Hola a todos.

Muchos de vosotros sabéis ya que esta semana pasada estuve en el FIB. Para aquellos que no lo sepan, en la web de Muzikalia hay un blog en el que mis compañeros y yo estuvimos narrando casi al minuto todo lo que allí iba pasando, nuestras vivencias, impresiones, opiniones y anécdotas varias.

El enlace es:

http://fib09.muzikalia.com/

Ahora toca ir volviendo a la normalidad poco a poco, después de 4 días de emociones, y otros 2 de merecido descanso.

Este fin de semana daré inicio oficialmente al tercer año del blog. No habrá muchos cambios, seguiré como siempre hablando de grupos poco conocidos o reivindicables de los 60,70 y 80, de mis discos y canciones favoritas, de mis sensaciones y sentimientos relacionados con la música, los recuerdos y demás...

Posiblemente en esta nueva temporada también le preste algo más de atención a la actualidad, a pesar de que considero que ya hay muchos blogs que lo hacen. Pero me apetece reivindicar también a grupos pequeños o que empiezan, y que logran captar mi atención de alguna manera.

Para terminar, una pregunta, ¿cuántos de vosotros tenéis Spotify? Si sois muchos, igual me animo a ir creando una especie de radio/playlist con lo que vaya saliendo en el blog.

saludos!
Fidel

Recopilatorio 2º aniversario

2009-07-05T15:59:00.002+02:00

Hola. He tardado más de la cuenta, pero aquí está el prometido recopilatorio del 2º aniversario del blog.

Como la participación ha sido escasa, finalmente he escogido yo la gran mayoría de los temas. Como podrán comprobar, se nota bastante en el ambiente que se respira, generalmente, a lo largo de la selección.

Las elegidas han sido:

01 TREMELOES - Silence is golden
02 HERMAN'S HERMITS - There's a kind of hush
03 ROBYN HITCHCOCK - Heaven
04 CAPTAIN 'N' TENNILLE - Do that to me one more time
05 DAVID BOWIE - Ashes to ashes
06 TALKING HEADS - Heaven
07 FOUR TOPS - I can't help myself
08 LEO SAYER - More than I can say
09 KANSAS - Dust in the wind
10 MARGARET MANDOLPH - I wanna make you happy
11 THE JAM - Going underground
12 FISHER Z - Marliese
13 PEACHES & HERB - Reunited
14 ART GARFUNKEL - Bright eyes
15 BOB MARLEY - Redemption song
16 GILBERT O'SULLIVAN - Nothing rhymed
17 PILOT - Magic
18 THE PASSIONS - I'm in love with a german film star
19 ANDERSON & VANGELIS - Deborah
20 THE HOLLIES - The air that I breathe
21 SUZI QUATRO & CHRIS NORMAN - Stumblin' in

Y aquí el enlace para descargar el regalo.

Si las cuentas no me fallan, cabe en un CD.

Si tengo tiempo más tarde es posible que cuelgue otro regalo de aniversario.

Un saludo!

2º aniversario: votación para recopilatorio.

2009-06-23T19:30:00.005+02:00

Hola, mis queridos y un poco abandonados lectores. Está ya a punto de terminar el mes de junio, por fin. Por mi trabajo es posiblemente la época en la que más atareado estoy, y eso se ha notado en el blog. En fin, ahora viene el verano y espero retormar el ritmo regular de mensajes. Además tengo algunas ideas para vencer la pereza, a ver si me aplico y las pongo en práctica.

El caso es que justamente por estas fechas se cumple el segundo aniversario del blog. Para el primer cumpleaños regalé a quien lo quisiera un recopilatorio con mis canciones preferidas de todas las que habían salido a lo largo del primer año de vida del blog. Ahora que se cumple el segundo, voy a repetir el gesto...pero con una novedad, si a ustedes les parece bien.

Desde hoy hasta el domingo todos los visitantes del blog, presentes, pasados, futuros, habituales, esporádicos, hombres, mujeres y niños, todos en general, tienen la oportunidad de elegir su canción favorita de entre todas las que han sonado en el blog este último año. Para ello sólo tienen que dejar un comentario en este mismo post con el nombre de la canción que más les ha gustado, interesado o sorprendido en estos doce meses.

El domingo por la noche haré recuento. Si hay bastantes canciones para un CD, ya tendremos recopilatorio; si no, elegiré yo las que falten. El lunes subiré el fichero para que lo pueda descargar quien guste.

¡Ya pueden empezar a elegir canción!

Un saludo

En busca de Margaret Mandolph, 2ª parte.

2009-05-31T23:28:00.003+02:00

Hola, queridos lectores. ¿Alguien se acuerda de un post que escribí el 12 de octubre de 2008 sobre una artista desconocida llamada Margaret Mandolph? Era este:

Margaret Mandolph

Entonces expliqué que, después de días y días de intensa búsqueda, conseguí dar con alguien que decía ser hija de Margaret. Le envié un correo sin muchas esperanzas, sobre todo cuando me fue devuelto por dirección inexistente. Lo volví a intentar cambiando una letra que me parecía que podía estar equivocada. Tampoco hubo respuesta, pero al menos tampoco hubo devolución por error en la dirección. Finalmente, por otra fuente, me enteré del fallecimiento de Margaret Mandolph hace ya algunos años.

Ayer, más de 7 meses después de aquel post, he recibido este correo:

"I'm sorry it took me soooooooooooooooo very long to get back to you. I've had a string of personal issues pop up that demanded a great deal of my time and attention but your email has remained in my thoughts. I really am Margaret's daughter. The oldest of her 2 daughters. I'm not certain what kinds of information you would want, but if you send me a list of questions, I'd be happy to answer them. If you want to send them in Spanish, I'm sure I can find someone here in California (Spanish is our unofficial second language, you know) to translate them for me. I can even read a tiny bit of Spanish. In the meantime, here are some pictures of Margaret that you might enjoy seeing. One is of her with her Mother at age 13 holding a copy of "If You Ever Need Me" as well as a picture of Margaret, Bobby, their mother and their brother Brent around that same time. I've also included a picture of Margaret from the 70's sometime around the time I was born 74 - 76 and the 80's. It makes me happy to know that there are people out there that know who she was and what she accomplished at such a young age and I'm sure she would have enjoyed knowing that as well.

Thanks for the patience. Life has been a bit hectic the last year. Hope all is well for you. Thanks again.

Best regards,

Simonne"

Y es que a veces, sólo algunas veces, los milagros existen. Le he pedido permiso a Simonne para publicar las fotos que me ha enviado por correo, y le mandaré una lista con algunas preguntas sobre su madre. Cuando me responda, colgaré aquí toda la información correspondiente como homenaje a esa estrella fugaz y poco reconocida que fue Margaret Mandolph.

Saludos!

Recordando a...The Passions

2009-05-24T23:36:00.004+02:00

Hola. Iba a decir que aquí estoy, fiel a mi cita semanal, pero una vez más han pasado dos semanas desde mi último mensaje. No están siendo unos meses fáciles por diversos motivos, pero no voy a abandonar el barco ahora que sólo quedan unos días para que el blog cumpla dos años. Dos años ya...uf...

¿Y a quién tenemos esta semana? En realidad apenas sé nada de este grupo, pero hace unos días volví a escuchar por casualidad su mayor (por no decir único) éxito. Algunos ya sabrán que me refiero a esa maravilla del pop más ensoñador que uno pueda imaginarse: "I'm in love with a german film star".

The Passions fueron un grupo inglés de vida bastante efímera, apenas 5 años entre 1978 y 1983, más o menos. Por el camino entraron y salieron varios miembros, siendo fijos la voz angelical, robótica pero sensual de Barbara Gogan, y la guitarra reverberante de Clive Temperley. Tras unos inicios titubeantes, sin tener muy claro si arrimarse al punk, a la incipiente nueva ola, o directamente al tecnopop, publicaron en 1979 un extraño single llamado "Hunted", una especie de cruce entre los nuevos románticos, el tecnopop y The Police.

Ya con contrato discográfico importante bajo el brazo, sacaron un par de LPs entre 1980 y 1981. Fue por aquellas fechas cuando les llegó ese golpe de inspiración que buscan todos los artistas, esa inspiración que para unos pocos resulta casi cotidiana, para muchos intermitente, y que en algunas ocasiones se posa casi caprichosamente sobre una cabeza hasta entonces vetada, y convierte a una banda vulgar en un recuerdo para la posteridad.

Sí, hicieron alguna cosilla más; giraron sin parar durante un par de años, luego se cansaron, se separaron...luego volvieron con otro nombre...proyectos en solitario, con otros artistas...pero...¿Qué importa lo que sucedió después? Miles de bandas venderían sus almas al diablo por un momento, un único e irrepetible momento como este. Hipnótico. Mágico.

Buenas noches.

Recordando a...Fischer-Z

2009-05-10T22:26:00.004+02:00

Hola a todos. Esta noche me propongo recordar por unos minutos a uno de los grupos más inclasificables, extraños y sorprendentemente frescos que tuve la suerte de descubrir en mis inicios musicales: se trata de Fischer-Z, la banda británica del enigmático John Watts.

John Watts forma Fischer Z en 1976 con su colega de estudios Steve Skolnik. Más tarde se les unirían David Graham al bajo y Steve Liddle a la batería, completando la formación original y clásica. Engullidos por la oleada punk, pronto se vio que Fischer-Z eran algo más. Para empezar, John Watts era un tipo ilustrado, realmente preocupado por su entorno social pero desde un punto de vista más político y menos nihilista que el de muchos compañeros de generación. Además su personalidad misteriosa y esquiva, junto a su experiencia en el cuidado de enfermos mentales, le envolvió de un aura de intriga que perdura en nuestros días, siendo uno de los grupos con cierto éxito menos recordados de la era punk-new wave.

Ya, pero...¿Y la música, qué? Pues la música consistía en una especie de punk desprovisto de la rabia, aderezado con algo de reggae y marcado con el hierro ardiente de la personalísima voz de Watts. Algo parecido a lo que hacían al mismo tiempo The Police, pero con una chispa más arty por parte de los Fischer-Z, motivo por el que parte de la prensa los comparaba con Talking Heads.

En 1978 publicaron su primer single, Wax dolls. La canción, soportada por un teclado juguetón, pasó bastante desapercibida. Sin embargo, algo llamó la atención del gurú John Peel, que les ayudó en la promoción de su segundo sencillo: Remember Russia. Aquí ya encontramos muchas de las características inconfundibles de la banda: el ritmo reggae, el semifalsete, las referencias políticas y sociales en las letras, el protagonismo a partes iguales entre las guitarras y el teclado de Skolnik...

Ya en 1979 publican su tercer single, The Worker, y su álbum de debut, "Word salad". El disco se abría con la fantástica First impressions(Pretty Paracetamol), que sería su siguiente single. Se ganan entonces la aparición en el popular Top of the Pops, aunque la actuación resulta un tanto desastrosa y tanto las ventas de los singles como la popularidad del grupo se resienten, siendo desde entonces más reconocidos en países como Alemania o Australia que en el Reino Unido.

Posteriormente en 1980 lanzan la que posiblemente sea su canción más conocida, y el motivo por el que hoy en día todavía no están olvidados del todo y siguen sonando en las radiofórmulas tipo M80: So long.

Sin embargo, So long consiguió mayor repercusión en el resto del mundo que en su país, donde sólo pudo llegar al nº 72 de las listas, por debajo del nº 53 que consiguieron con The Worker. Para entonces ya habían potenciado las guitarras y el ritmo reggae (espectacular inicio el de la canción Crazy girl, muy a lo Police) aunque muchos de sus riffs más recordados siguen saliendo del teclado de Skolnik. A todo esto el disco, "Going deaf for a living"(1980), contiene otras canciones muy recomendables como Room service o la propia Going deaf for a living (una rítmica aproximación al ska tan de moda entonces en Gran Bretaña).

Entonces, a mediados de 1980, llega el duro golpe: Steve Skolnik abandona la banda. John Watts decide seguir adelante con el grupo sin sustituir a Skolnik. Así, convertidos en trío, Fischer-Z pasa definitivamente a ser (si no lo era ya) el vehículo para las obsesiones de Watts. Las guitarras y la temática política saltan al primer plano en "Red skies over paradise" (1981), un muy recomendable álbum sobre el que flota todo el tiempo la sombra de la guerra fría, la amenaza nuclear y sus efectos sobre la vieja Europa. Ahí están para corroborarlo canciones como Berlin (con su inicio calcado al London calling de los Clash), Red skies over paradise o Cruise missiles.

Aunque la joya del disco, y la de toda su carrera en mi opinión, es una canción que no tiene nada que ver con la política, sino con algo más mundano como es la obsesión por una persona conocida. Hablo de la guitarrera, bailonga, excitante e inolvidable Marliese.

Muy pronto Watts se cansó de la banda, se lanzó a sacar discos en solitario a un ritmo importante en la primera mitad de los 80, se retiró parcialmente, volvió, refundó Fischer-Z (prácticamente resucitó el nombre, más que la banda) y siguió siendo una estrella sobre todo en Australia. Yo, por mi parte, le perdí la pista tras la disolución del grupo, coincidiendo con su práctica desaparición en los medios musicales de aquí y mi entrada en la adolescencia. Pero en aquellos tres años breves y maravillosos, Fischer-Z eran uno de mis tesoros más ocultos y mejor guardados.

Canciones celestiales.

2009-05-03T21:55:00.002+02:00

Hola. Tal como avisé en el anterior mensaje, estoy de vuelta, y además con una serie de canciones celestiales.

We're in heaven.
Estamos en el cielo.

No, el tema no va de cantos gregorianos ni nada por el estilo. Ni me he vuelto religioso en estas Pascuas. Es más sencillo. Más prosaico. Menos ultraterrenal.

Heaven is a place when nothing ever happens.
El cielo es un lugar en el que nunca pasa nada.

En Semana Santa cargué mi reproductor de mp3 con un montón de canciones que escogí entre mis favoritas de siempre, nuevos descubrimientos, y alguna al azar. Cuando salimos en el coche suelo ponerlo en modo aleatorio y me gusta dejarme sorprender por alguna canción que hace tiempo que no escucho, o por las misteriosas asociaciones que hacen estos cacharritos. Como un día en el que, para mi asombro, sonaron 3 canciones seguidas con el mismo nombre.

You've got arms, you've got legs, and you've got heaven.
Tienes brazos, tienes piernas, y tienes cielo.

Muy bien, lo han adivinado. El nombre de las canciones era "Heaven". Tanta coincidencia era extraña, incluso para mi reproductor de mp3 que a veces parece tener vida propia. Así que pensé un rato sobre ello. Finalmente caí en la cuenta de que entre las canciones que más disfruto en los últimos meses hay muchas con la palabra "Heaven" en el título.

Heaven won't tear you apart.
El cielo no te desgarrará.

De vuelta a casa me puse a buscar y, efectivamente, encontré un montón de canciones con la palabra "Heaven" que me hacen sentir como en el ídem. Algunas de ellas las he descubierto recientemente, como "Heaven" de Robyn Hitchcock. Otras son favoritas de mi adolescencia que se resisten a abandonarme del todo, como "Heaven" de Bryan Adams. Y así, entre heavens y heavens, armé un recopilatorio del que les dejo a ustedes unas muestras en el reproductor de la derecha, junto con algunos vídeos por si les apetece echarles un vistazo.

Pues eso, si les apetece...

...Would you like to go to heaven tonight?
...¿Te gustaría ir al cielo esta noche?

Atentos a su pantalla amiga.

2009-04-29T23:15:00.004+02:00

Hola. Se habrán dado cuenta seguramente de que, entre pitos y flautas, llevo casi un mes sin escribir en el blog. Sigo vivo, no se preocupen. Y el blog también. El problema es que los últimos fines de semana, que es cuando últimamente puedo escribir algo con fundamento, han sido festivos, primero la Pascua, luego la segunda Pascua en Valencia, luego una boda, luego una comida con los amigos...en fin...un patiment (sufrimiento) como decimos por aquí.

Cuando empecé con esto me propuse no crear otro blog de descargas sino uno de lectura pausada y relajante, en el que la gente pudiera perder 10 minutos simplemente leyendo un texto y escuchando un par de canciones relacionadas con el mismo, y eso tiene un precio. A veces ocurre que uno tiene ganas de contar algo, pero no sabe qué. O sabe qué, y no sabe cómo. Y pasa la semana y el domingo no hay tiempo, y lo dejas para otro día. Pero vuelves a estar ocupado hasta el domingo siguiente, y así sucesivamente se entra en una espiral en la que te debates entre la pereza y el estrés, y lo que jamás quisiera que ocurriera es que la música se conviertese en algo estresante para mí.

Así pues, he dejado pasar estos fines de semana en los que no he tenido tiempo de nada. Posiblemente debería haber colgado algún mensaje para mantener esto vivo, pero la verdad es que (aunque alguna vez lo he hecho) no me gustan los mensajes tipo "vuelvo en 2 semanas" y similares.

Hoy hago una excepción para anunciar que este fin de semana volveré a retomar mis mensajes semanales. Y además aviso: este domingo lo haré con canciones "celestiales".

¡Un saludo a todos!
Fidel

La profesora de inglés.

2009-04-05T21:51:00.002+02:00

La recuerdo como si fuera ayer, y eso que hace ya 28 años. Se llamaba Ana, y era mi profesora de inglés en 1º de BUP.

La mayoría de nosotros, por no decir todos, éramos de francés en la EGB. Pero en el instituto sólo se podía estudiar inglés, así que allí estábamos, en nuestro primer día de clase, con el susto en el cuerpo. Esperando a nuestra profesora de inglés.

Entonces entró ella con un montón de cachivaches. Nos miró, sonrió un poco, y se presentó mientras descargaba su aparatoso cargamento sobre la mesa. Su voz nos tranquilizó, y más todavía cuando vimos lo que estaba haciendo mientras nos hablaba: ¡montaba un tocadiscos!

Yo pensé que íbamos a enfrentarnos con uno de aquellos cursos de idiomas modernos que se podían comprar en cintas de cassette. Madre mía, no nos enteraremos de nada, pensé yo. Pero no...¡Ana nos iba a poner música! No recuerdo exactamente qué canción fue la primera que puso, pero a lo largo del curso al menos una vez cada semana la clase consistiría en escuchar una canción, intentar adivinar la letra, después ella escribiría la letra en la pizarra, la volveríamos a escuchar...

Entiendo que pueda parecer una tontería en el año 2009, pero os aseguro que en 1981 aquello era, al menos para mí, toda una novedad. No podía haber una clase más práctica, ni más cercana a lo que más me gustaba por entonces aparte del fútbol: la música. Aquello prometía un montón. Y así fue: las clases de inglés eran, con diferencia, las mejores y las más divertidas. Evidentemente estudiábamos también vocabulario, sintaxis y todo eso. Pero el día que llegaba Ana con su tocadiscos...¡¡era como una fiesta!!

De las decenas de canciones que escuchamos y aprendimos en aquellas clases, sólo recuerdo unas cuantas. Y de ellas, hay cuatro que me causaron una impresión tan penetrante que desde entonces no pasa un mes sin que las escuche de nuevo. Son cuatro canciones que me han acompañado en estos 28 años, que se me han hecho inseparables...más que inseparables, imprescindibles.

Esas cuatro canciones son estas:

Y después de escuchar, una vez más, estas cuatro canciones, no se me ocurre otra cosa más que decir. Creo que la belleza de todas ellas es suficientemente elocuente.

Bueno, una cosa sí quisiera decir. Gracias, Ana.

Tremeloes: el silencio es oro.

2009-03-29T20:44:00.003+02:00

Estoy casi seguro de que un altísimo porcentaje de gente que ha oído hablar de los Tremeloes los ha conocido por la famosa anécdota de aquel avispado ejecutivo de la Decca que, a principios de los 60, los prefirió para el sello antes que a los Beatles en aquella ya mítica audición conjunta de fin de año. Y es que hay gente con mucho ojo, tal vez una de estas semanas dedique una entrada a resbalones famosos de productores, mánagers y cazatalentos varios.

Pero esta semana toca hablar de los Tremeloes. O de The Tremilos, tal como se les llamaba cuando se formó el grupo a finales de los años 50. O de Brian Poole & The Tremeloes, como fueron conocidos entre 1962 y 1965.

The Tremeloes son una de esas bandas de segunda o tercera división, no hay nada malo en decirlo. Sus éxitos, no muchos, fueron en gran parte versiones de otros artistas. De hecho su primer éxito fue una versión de "Twist and shout", canción curiosamente popularizada también por los Beatles casi al mismo tiempo. Gracias a esta canción empezaron a ser conocidos en su país, Gran Bretaña, y consiguieron llegar al éxito en los años siguientes con más versiones como "Do you love me" (Contours), "Candy man" (Roy Orbison) o "Someone someone" (Crickets).

En 1965 Brian Poole decidió dejar a los Tremeloes para lanzarse en solitario, consciente de que él era el famoso y carismático del grupo. Sin embargo, como ocurre en muchas ocasiones, los Tremeloes iniciaron su etapa más exitosa tras la salida de Poole, mientras que la fama del solista no hizo más que declinar en los siguientes años.

En 1966 Decca ya se había cansado de esperar el gran éxito comercial de los Tremeloes, más allá de las puntuales visitas a las listas de éxitos con sus ya conocidas versiones. El grupo fichó entonces por CBS, donde en su primer año parecía que tampoco iban a destacar demasiado. Entonces llegó Cat Stevens y les cedió el tema "Here comes my baby" con el que alcanzaron el puesto número 4 en las listas británicas. Parecía que estaban en su mejor momento, y para aprovecharlo les hicieron sacar LPs prácticamente cada 3 meses, sin que ninguno de ellos tuviera excesiva repercusión puesto que su gran baza siempre habían sido los singles con versiones ajenas.

Y una de esas versiones ajenas es la que ha llevado a un grupo normalillo (del montón en aquella fructífera época, diría yo) como los Tremeloes a protagonizar la entrada de esta semana en este rincón de la red.

En 1967 los Tremeloes estaban de gira por Inglaterra junto a los más famosos Hollies. El grupo interpretaba sus canciones más conocidas, aunque en cada actuación solían incluir varias versiones que todavía no habían grabado. En general las voces solistas de las canciones eran Dave Munden o Len 'Chip' Hawkes. Sin embargo en directo el grupo aprovechaba la voz de falsete del guitarrista Rick West para realizar algunas versiones de grupos como los Four Seasons, y es que West imitaba la voz de Frankie Valli casi a la perfección. Una de esas versiones funcionaba increíblemente bien, y el público empezó a pedirla cada noche. Se trataba de "Silence is golden".

Ante el éxito que obtenían con la interpretación de la canción, decidieron grabarla. Y acertaron: "Silence is golden" se convirtió en su segundo y último número 1 (el primero fue "Do you love me").

Años después 'Chip' Hawkes confesó que Tony Nicks, de los Hollies, le había felicitado por el número 1 diciendole algo así como "suerte que al final os decidisteis a grabarla, nosotros también lo habíamos pensado, nos habéis adelantado por los pelos".

Los Tremeloes intentaron aprovechar el momento de gloria para cambiar su sonido e introducir progresivamente más composiciones propias. Aunque una de ellas, "Call me number one", llegó hasta el número 2 de las listas, a partir de principios de los 70 los Tremeloes pasaron a engrosar la lista de ilustres olvidados de la época más gloriosa del pop británico.

Herman's Hermits

2009-03-16T19:37:00.004+01:00

Hola, ya hace casi un mes que no posteo nada. Cuando se pierde el ritmo por cualquier causa (problemas de trabajo, fiestas, etc.) después cuesta mucho recuperarlo. Y yo siempre he pensado que si me da pereza escribir en el blog es mejor no hacerlo antes que escribir sin ganas. Bueno, pues hoy tengo ganas de escribir, y me apetece hablar de un conjunto de los más exitosos durante la British Invasion en los Estados Unidos, pero al que posteriormente hemos tenido bastante olvidados en comparación con otros colegas de su misma camada. Se trata del grupo de Manchester Herman's Hermits.

Al frente de los Herman's Hermits, formados en 1963, se encontraba un jovencísimo actor/cantante llamado Peter Noone, que con 15 años ya tenía una experiencia bastante importante en la mítica serie británica Coronation Street. Su cara aniñada, la imagen desenfadada del grupo y un voluntariamente exagerado acento británico forjaron la particular personalidad del grupo. Añadimos a todo ello un puñado de muy buenas canciones, y como consecuencia tenemos un grupo que, durante algunos meses, estuvo a punto de desbancar a los mismísimos Beatles como favoritos del público norteamericano.

De hecho, los Herman's Hermits tuvieron más éxito en los Estados Unidos que en Gran Bretaña. Incluso sus primeros LPs se lanzaban en Norteamérica antes que en su propio país. Es más, sus principales éxitos y números 1 en USA ni siquiera fueron editados como singles para el mercado británico.

Los dos números 1 mencionados fueron "Mrs.Brown, you've got a lovely daughter", y "I'm Henry the Eight, I am". Ambas canciones son adaptaciones de otros artistas, en el segundo caso de una vieja canción de music-hall original nada más y nada menos que de ¡1911!.

Su primer éxito, sin embargo, lo obtuvieron en Gran Bretaña con una versión de "I'm into something good", una composición de Carole King y Gerry Goffin que en los Estados Unidos cantó inicialmente Earl-Jean McCrea, de las Cookies, y que Herman's Hermits llevaron a su terreno para hacerse con el primer puesto de las listas británicas, por primera y única vez en su carrera.

Cuentan que, a partir de 1966, empezaron a ser olvidados por el público. Los Beatles rompieron la baraja con sus discos Revolver y Sgt.Pepper's, los Beach Boys se volvieron místicos, la psicodelia y el verano del amor estaban en pleno auge, y los Herman's Hermits seguían aferrándose a sus infantiles cancioncillas, así que poco a poco, como les ocurrió a tantos grupos de la época, fueron pasando al olvido. Intentaron ponerse al día con un LP bastante psicodélico, "Blaze", que les hizo ganarse a la crítica pero no recuperar los buenos tiempos de las fans alocadas, principalmente porque ya no existían ese tipo de fans. Finalmente se separaron en 1971.

Sin embargo, cuenten lo que cuenten, mis dos canciones preferidas del grupo pertenecen precisamente a ese periodo 1966-1967 en el que, junto al resto de grupos de la primera ola de la invasión británica, iniciaron su decadencia: "No milk today" (de Graham Gouldman, más tarde en 10cc) y "There's a kind of hush" (que los Carpenters convirtieron más adelante en éxito mundial).

Un grupo que merece ser recordado más y mejor. Como decía un anuncio promocional de no recuerdo qué grupo, seguro que conocías muchas más canciones de Herman's Hermits de las que te imaginabas.

Suzi Quatro

2009-02-22T20:13:00.002+01:00

Hola a todos. Ultimamente los reality show del Reino Unido nos están devolviendo a la memoria a artistas de los 70 y 80 de los que poco o nada se ha sabido en estos últimos años. Por ejemplo Leo Sayer, del que hablé hace algunas semanas, participó en una de las últimas ediciones del Gran Hermano británico.

Buscando otra cosa me encontré por casualidad con otro reality de hace un par de años en el que participó una cantante que tuvo bastante éxito en los 70, y que en algún momento del periodo 1978-1981, el trienio en el que empecé a disfrutar de la música a tope, se convirtió en una de mis cantantes preferidas. Se trata de Susan Kay Quatronella, más conocida como Suzi Quatro.

Aunque su carrera se desarrolló sobre todo en el Reino Unido, Suzi nació en los Estados Unidos. Allí pasó su infancia y adolescencia. En 1964, con apenas 14 añitos, formó su primer grupo junto a sus hermana Patti Quatro y unas amigas, las hermanas Ball. Poco más tarde se uniría otra hermana, Arlene Quatro. Se llamaban The Pleasure Seekers, y tocaban rock garajero. Llegaron a ser bastante conocidas, incluso firmaron por una multinacional, sacaron algunos discos, y giraron por gran parte de los Estados Unidos.

Hacia finales de los 60 el grupo empezó a sufrir cambios. Entraron y salieron diversos miembros, cambiaron el nombre a Cradle, sustituyeron al manáger de siempre, el marido de Arlene Quatro, por la propia Arlene, que cedió el puesto en la banda a otra hermana pequeña, Nancy Quatro. Entonces apareció en sus vidas Mickie Most, el productor británico que se había hecho famoso llevando al éxito a The Animals y que entonces estaba embarcado en otro proyecto interesante con el grupo Sweet. A Most le gustó mucho Suzi Quatro, y le propuso intentar una carrera en Inglaterra. Condición: sólo ella, nada de hermanas ni cuñados. No sé si le costaría mucho o poco tomar la decisión, pero Suzi hizo las maletas y se embarcó en la aventura inglesa...un viaje que, aunque ella no lo sabía entonces, iba a ser sólo de ida...

Mickie Most embutió a Suzi Quatro en cuero negro y le consiguió algunas canciones de glam-rock, al estilo de lo que hacía entonces con Sweet. Grabó un primer single que no tuvo ninguna repercusión, pero a la segunda le llegó el éxito no sólo en el Reino Unido sino en otros países europeos y en Australia. La canción era "Can the can".

Poco después repitió éxito con otra canción parecida: "Devil gate drive".

El éxito, sin embargo, se le resistía en los Estados Unidos. Hizo algunas giras por su país natal, siempre como telonera, pero no encontró ningún aliciente que le hiciera decidirse por volver, así que siguió residiendo en el Reino Unido. Además se casó con un miembro de su banda.

Entre 1975 y 1978 pasó por un periodo de olvido, con algunos singles y LPs de nula resonancia. Entonces dio un pequeño giro a su carrera, acercándose a sonidos más calmados y cambiando a una imagen más madura y menos agresiva. Quedó atrás el cuero negro y ajustado, siendo sustituido por una imagen más campestre y cercana. También su música se suavizó y se hizo más bucólica y campestre, casi country. Fue entonces cuando consiguió regresar al top-10 de las listas europeas con la canción que me hizo descubrirla, allá por 1978: If you can't give me love.

Las mentes pensantes de su discográfica notaron que su sonido se asemejaba bastante al de la banda británica Smokie, entonces en el pico de su carrera y afincados en los Estados Unidos. Las mismas mentes pensaron que sería una gran jugada juntar a Suzi Quatro con Smokie, en un nuevo intento por hacerla tan conocida en los Estados Unidos como lo era en Europa y Australia. Al final les hicieron una canción a medida que cantarían sólo Suzi y Chris Norman. La canción se llamaba Stumblin' in, y era una composición muy bonita, delicada, un medio tiempo absolutamente agradable...y además ellos eran tan jóvenes, tan guapos, salieron en un programa de TV y se les veía tan metidos en su papel...era todo tan adorable, que aquella fue la canción de mi vida durante unos meses.

Con Stumblin' in por fin Suzi Quatro consiguió llegar a los primeros puestos de las listas norteamericanas. Lamentablemente el éxito fue fugaz. En 1981 Suzi era, otra vez, una artista casi olvidada. Entonces decidió intentar relanzar su carrera volviendo al rock duro y al cuero negro. Fruto de aquel canto del cisne fue otra canción que escuché mucho y otro vídeo que vi varias veces en 1981: "Rock hard".

Nuevamente maravillosa, pero los primeros 80 no dejaron títere con cabeza, así que Suzi Quatro pasó a ser otro dinosaurio más de los 70 que el punk, la new-wave y el tecnopop engullieron casi sin masticar. Además los británicos habían encontrado otra reina rockera llegada desde tierras americanas embutida en cuero y con botas altas: Chrissie Hynde. Fin de la historia importante...desde entonces, como tantos otros artistas, no ha hecho casi nada interesante. Una aparición por aquí, una reunión de viejas glorias por allá, grandes éxitos, intentos de vuelta...y, en el siglo XXI, las inevitables apariciones en los programas de TV de los que hablaba al principio del mensaje.

Menos mal que la música nos permite viajar en el tiempo, contemplar a cada artista en su momento de gloria, y mantener esa imagen fresca en nuestra retina. Fuiste maravillosa, Suzi.

Harold Melvin & The Blue Notes

2009-02-15T21:10:00.004+01:00

Hola de nuevo. Este fin de semana y el pasado han sido muy activos socialmente, algo que de cuando en cuando viene bastante bien. El domingo anterior ni siquiera pude sentarme a postear algo tranquilamente; hoy, al menos, tengo un par de horas de tranquilidad así que voy a improvisar algo. Me apetece contarles a ustedes una pequeña historia, de esas que no son conocidas pero que engrandecen el mundo de la música.

A mediados de los 50 unos chavales de Philadelphia fundaron un grupo llamado The Blue Notes. Entre ellos estaba un jovencito de 17 años llamado Harold Melvin, que ya había estado en varios conjuntos de doo-wop. Harold escogío para sí el papel de líder del grupo, cantante, principal arreglista, coreógrafo...vaya, casi todo. A lo largo de los años siguientes tuvieron algunos éxitos locales ("If you love me") y otros de alcance nacional ("My hero", "Get out and let me cry"). Con sólo un pequeño cambio en la formación, llegaron hasta finales de la década de los 60 siendo un grupo más que prometía bastante más de lo que hasta entonces había ofrecido.

Por entonces estaban muy de moda (y eran más baratas para las compañías) las giras conjuntas con varios grupos y cantantes que compartían actuaciones noche tras noche. Los Blue Notes se embarcaron en una de aquellas interminables excursiones con otro grupo llamado The Cadillacs. Allí fue donde Harold Melvin conoció a un joven muy singular. Había sido cantante de gospel en su iglesia, como otros tantos jóvenes, pero este era diferente. Para empezar, llegó a tener un cargo en su iglesia con sólo 10 años. Además iba a la escuela y parecía una persona cultivada, a pesar de sus 18 años recién cumplidos. Y había algo más: a pesar de tener una excelente voz, muy personal y emocionante, tocaba la batería. El chavalín se llamaba Teddy Pendergrass. Casi 13 años separaban a Harold Melvin del pequeño Teddy, pero se hicieron buenos amigos. Tanto fue así que, cuando a principios de los 70 los Blue Tones empezaron a resquebrajarse y a dar señales de desmoralización, Harold pensó en el joven Teddy para el puesto de cantante del grupo intentando, por enésima vez, llevar su proyecto a buen puerto.

Al mismo tiempo en Philadelphia se estaba gestando una escena nueva, un nuevo sonido entre el soul y el funky, liderado por el recién creado sello Philadelphia International, fruto del trabajo de un par de genios llamados Kenneth Gamble y Leon Huff. Gamble & Huff tenían en mente un sonido muy especial, y también un gran talento para crear canciones. En 1972 justo empezaban a construir un catálogo para su sello, y para ello habían rescatado a un viejo grupo llamado The O'Jays. Sin embargo, Gamble & Huff tenían entre ceja y ceja el fichaje del cantante de los Dells, Marvin Junior. Cuando los Dells ficharon por Chess, los capos de Philadelphia International tuvieron que dirigir sus miradas hacia otros grupos, y finalmente sus ojos (y principalmente sus oídos) se fijaron en el joven Teddy Pendergrass. Los Blue Notes (Harold Melvin and the Blue Notes, para ser exactos) ficharon así por el más joven y prometedor sello de su ciudad.

Gamble & Huff tenían tanta fe en lograr el fichaje de Marvin Junior que incluso habían preparado ya una canción para él. Era una balada, una canción llena de fuerza y sentimiento, perfecta para la voz quejumbrosa de Marvin. Teddy Pendergrass cantaba de una manera muy similar, motivo principal por el que los Blue Notes habían sido fichados, así que Gamble & Huff decidieron darle la oportunidad a Teddy de cantar esa tremenda balada que tenían en el cajón, ya casi olvidada, y que se llamaba "If you don't know me by now".

Acompañando a aquella canción había, en el álbum debut de los Blue Notes, unas cuantas baladas romanticonas y rompecorazones más. Gamble & Huff habían encontrado el grupo contrapartida de los más bailables O'Jays. Así, en 1973, intentaron repetir éxito con otra canción similar. Era otro baladón ardiente, otra oda al amor perdido. En realidad, era demasiado similar a "If you don't know me by now", casi idéntica. Gamble & Huff pensaron en darle algún toque nuevo que hiciera el parecido menos evidente. Entonces se les ocurrió: ¿Y si aceleramos la canción? Casi me puedo imaginar el diálogo:

- Oye, Kenny, a ver qué te parecen estos arreglos que he hecho para la canción.
- Pero...¿Estás loco? Leo...¿De verdad crees que la gente va a bailar una canción con una letra así?
- Ya...¿Y si cambiamos la letra?
- Ni borracho, Leo. La letra es brillante. Deberíamos dejar la canción como está.
- Pues yo creo que sería todo un éxito en las pistas de baile. Es más, creo que he encontrado la clave del sonido que andábamos buscando, y está ahí, en esos arreglos y esa música. ¿Por qué no intentarlo?
- Pues porque no, Leo, porque no. Una cosa es bailar y saltar como posesos al ritmo del "Love train", pero...¿Tú disfrutarías en la pista de baile de una canción que dice

Take a good look at me
I'm in misery, can't you see

I'm so sad and lonely
without you my life is so dead

y sobre todo

The love I lost was a sweet love
The love I lost was complete love
The love I lost...I will never, never, love again

- ¿Tú te puedes imaginar, Leo, a un auditorio en pie, dando palmas, bailando, mientras Teddy canta eso?

- ¡Pues ahí está la clave, Kenneth!¡Esa parte puede transmitir fuerza, ganas de salir adelante, una catarsis tras el fracaso amoroso, resurgimiento de entre las cenizas, levantar la cabeza, caminar erguido, orgulloso a pesar del sufrimiento, maltrecho porque se ha acabado, pero feliz de haber pasado aquellos ratos juntos, un sentimiento que...

- OK, OK, Huff. Déjalo ya. Haz lo que quieras, tú ganas. Ya hablaremos cuando te des el gran porrazo, man...

Evidentemente, Leon estaba en lo cierto, y Kenny estaba equivocado. O sería al revés, no lo sé. El caso es que, fuese quien fuese, acertó...

El resto es historia, y no muy agradable. Los celos hicieron que la relación entre Teddy y Harold se rompiera. Pendergrass se marchó del grupo, e incluso creó su propia versión de los Blue Notes. Poco después se lanzó en solitario. Tristemente, en 1982, un accidente de coche lo dejó en silla de ruedas. A pesar de su situación, ha seguido grabando y publicando discos.

En cuanto a los Blue Tones, sin Teddy no fueron capaces de repetir sus éxitos del periodo 1972-1975. Harold Melvin, el único motor del grupo, falleció en 1997, y con él lo hicieron todas y cada una de las versiones de los Blue Tones que lo acompañaron durante casi 50 años.

Peaches & Herb

2009-02-01T22:24:00.003+01:00

Allá por 1980 escuché una canción por la radio que me maravilló. Era una balada soul cantada por una pareja, chico y chica. Tal como solía hacer entonces, la grabé en una cinta junto con bastantes otras canciones del momento. Muchos años después aquellas cintas están inservibles o directamente han desaparecido. Pero todavía recuerdo aquella balada...mmm...qué calorcito...

Lo que yo no sabía entonces era que el señor que cantaba era un respetable miembro del Cuerpo de Policía de Washington, D.C. Un señor llamado Herbert Feemster, más conocido como Herb Fame. Un señor que en los 60 cantaba como aficionado en algunos grupos mientras regentaba una tienda de discos, motivo por el que conoció al reputado (sobre todo más adelante, con la llegada de la música disco) productor Van McCoy. Herb trabó cierta amistad con McCoy, y consiguió unas audiciones que le llevaron a firmar con Date Records. En una de sus primeras sesiones de grabación tuvo que compartir estudio y recursos con otro grupo que el sello había contratado recientemente: The Sweet Things. Al frente de este grupo estaba una chica llamada Francine Barker, a la que todo el mundo llamaba cariñosamente Peaches.

En los tiempos muertos de las grabaciones a McCoy se le ocurrió mezclar las voces de Herb y Peaches, haciendo pruebas. Los resultados le parecieron muy interesantes, y les propuso grabar juntos. Así nació, en 1966, el dúo Peaches & Herb.

A lo largo de la segunda mitad de los 60, Peaches & Herb tuvieron bastante éxito con canciones como "Let's fall in love", "Close your eyes", "Love is strange", "United" o "For your love", aunque principalmente se trataba de versiones de canciones de los años 30, 40 ó 50. En 1967 Francine se cansó de estar siempre de gira y decidió abandonar el grupo. Le pudieron convencer para que siguiera prestando su voz para las grabaciones, pero en las actuaciones del grupo la reemplazó la segunda "Peaches": Marlene Mack. Esta situación duró hasta 1970, año en el que Herb, harto de penurias económicas, aceptó un trabajo fijo en la policía de Washington. Desde 1970 hasta 1977 esa fue su única ocupación, y el grupo desapareció.

Pero el gusanillo de la música le seguía picando, y en 1976 empezó a darle vueltas a la idea de resucitar el dúo. Para ello buscó una nueva "Peaches", y escogió a una cantante y modelo llamada Linda Greene. Contactó otra vez con McCoy, ahora mucho más conocido que en los 60, y lanzó un LP llamado "Peaches & Herb" que pasó con más pena que gloria. Cambiaron de compañía y se marcharon a Polydor, acertando de lleno con su segundo LP de esta nueva etapa: "2 Hot". En el disco se incluía una canción de funky-disco llamada "Shake your groove thing" que fue todo un éxito, llegando al número 5 de las listas norteamericanas. Sin embargo, la canción que puso al dúo en el mapa internacional fue una balada...sí, por supuesto, se trata de la balada a la que hacía mención al empezar este texto: "Reunited".

Intentaron repetir el pelotazo en los siguientes años, y la vez que más se acercaron fue con otra balada parecida, también muy buena, llamada "I pledge my love". Sin embargo en pocos años cayeron en el olvido como tantos grupos de los 70, así que Peaches & Herb volvieron a desaparecer en 1983. Herb había mantenido su trabajo como policía incluso en los momentos de mayor éxito, así que no tuvo problemas para volver a la vida "normal".

Pero la cabra tira al monte, así que desde entonces Herb Fame ha intentado revivir al dúo al menos en dos ocasiones, con otras dos "Peaches" distintas. Evidentemente no ha conseguido ni de lejos repetir sus éxitos de los 60 y los 70, pero por ahí, en algún lugar de los Estados Unidos, seguro que hay programada en las próximas semanas una actuación de Peaches & Herb. Más difícil es adivinar quién será la próxima "Peaches".

Por cierto, Herb mantuvo varios pleitos durante los 90 con sus antiguas compañías discográficas, que al parecer no le daban los royalties correspondientes a sus grabaciones. Finalmente consiguió una sentencia favorable en el año 2001 y cobró una cantidad importante de atrasos. De esa forma, libre de apuros económicos, Herb Fame ha podido finalmente, con más de 60 años, dedicarse en exclusiva a su gran pasión: la música.

Leo Sayer

2009-01-25T21:40:00.003+01:00

Hola de nuevo.

Después de hablar de Gilbert O'Sullivan la semana pasada, era casi inevitable hacerlo esta vez de Leo Sayer. Y es que me resulta casi imposible encontrar dos cantantes con una trayectoria tan similar. Incluso se parecen físicamente, o eso me ha parecido a mí siempre. Tan parecidos ellos y tan parecida su música, que de jovencito siempre les confundía. Por eso cuando me he puesto a pensar a ver de quién escribía hoy, mientras miraba el mensaje de la semana pasada, ha sido Leo Sayer el primer nombre que me ha venido a la cabeza.

Al igual que nuestro amigo O'Sullivan, Leo Sayer empezó en esto de la música en los 60, aunque un poquitín más tarde. Se unió a un grupo, luego montó otro, no tuvo mucho éxito, y al final el gran cantante inglés Adam Faith se convirtió en su representante y decidió lanzarlo en solitario.

También al igual que Gilbert O'Sullivan, Leo Sayer empezó su carrera haciendo el payaso. En su caso, literalmente. Vean, vean este vídeo de su primer número en Inglaterra, allá por 1973, llamado "The show must go on".

Una extraña mezcla entre Peter Gabriel y Joe Cocker en cuanto a aspecto y maneras visuales, pero cantando en un estilo más pop. Una gran voz, por cierto.

Su siguiente éxito, Long tall glasses (I can't dance), recuerda más a esas canciones de vodevil-rock que bordaba Elton John por entonces, falsete incluido. También como Gilbert O'Sullivan, en cuanto conoció el éxito nuestro amigo Leo se dejó de disfraces, aunque seguía siendo un poco payasete como se ve en el vídeo.

Su año mágico fue sin duda 1976. Se volvió algo más serio y publicó un buen álbum llamado Endless flight del que, en primer lugar, se extrajo su éxito discotequero "You make me feel like dancing". Consiguió otro número 1 en UK y un espléndido número 2 en USA, pero aunque a mí me encanta también este periodo creo que va perdiendo frescura y se adivina que está a punto de entregarse al "mainstream". Sólo le faltaba conquistar del todo los Estados Unidos, y para ello nada mejor que un baladón lacrimógeno (When I need you) con aparición en los Teleñecos incluida.

También como Gilbert O'Sullivan (pesado soy), una vez alcanzado el éxito rotundo prácticamente desapareció de los primeros puestos de las listas durante varios años. Y también como Gilbert O'Sullivan (prometo que es la última vez) reapareció por sorpresa en 1980 con otro gran y último éxito: "More than I can say".

En fin, que me parece que Leo Sayer es otro artista cuyas canciones son tan conocidas que impiden que se le preste atención a una carrera que, en mi opinión y sobre todo en su primera época, resulta muy interesante y tiene mucho más que ofrecer aparte de sus grandes éxitos. Además, su evidente y sorprendente paralelismo con...ejem...el artista del que hablé la semana pasada...le convertía en el perfecto candidato para esta cita semanal que tengo con ustedes, queridos lectores. Espero que hayan disfrutado, o al menos que se hayan sorprendido y sonreído un poco viendo las pintas que gastaba el amigo Leo en su primera etapa antes de convertirse en carne de KISS FM.

Un saludo y buenas noches.

Gilbert O'Sullivan

2009-01-18T21:18:00.004+01:00

Hola a todos una semana más. Hace unos días, conduciendo camino del trabajo, andaba escuchando la radio cuando sonó "Alone again (naturally)". Se trata de una de esas canciones que, de tanto radiarla, han conseguido que nadie le preste atención. Lo mismo puede aplicarse a su creador, el irlandés Raymond Edward O'Sullivan, más conocido como Gilbert O'Sullivan.

Yo mismo, mientras sonaba la canción, estaba entreteniendo mis pensamientos en otros menesteres. En concreto intentaba recordar alguna información sobre su compositor cuando, tras un rato de cavilar, caí en la cuenta de que no sabía prácticamente nada de Gilbert O'Sullivan. Me di cuenta de que, como ocurre con tantos y tantos artistas, la misma fuerza que les empuja a aparecer a todas horas en las emisoras musicales produce una reacción contraria que hace que no les prestemos atención. Son ese tipo de artistas que "siempre están ahí" y, justo por eso mismo, parece que pasan a formar parte del mobiliario urbano, de manera que acabamos haciéndoles el mismo caso que a ese semáforo que nos encontramos cada día al salir de casa, o esa farola que alumbra el lugar donde aparcamos cada día.

Sí, amigos. Gilbert O'Sullivan es de esos artistas. ¿Quién sabe aproximadamente la edad que tiene? ¿Cuándo empezó en esto de la música? ¿Cuántos LPs publicó? ¿Cómo fueron sus inicios? ¿Sigue sacando discos hoy en día? Otro caso, uno más, de artistas que son sobrepasados por la fama y ubicuidad de sus canciones, quedando ellos a la sombra de sus propias creaciones.

Gilbert O'Sullivan era un muchacho irlandés que pasó buena parte de la segunda mitad de los 60 intentando vivir de esto de la música. Llegó a grabar alguna canción, cambió varias veces de compañía, y parecía que iba a quedarse por el camino como tantos otros chavales. Entonces una de sus demos llegó a manos de Gordon Mills, por entonces mánager de Tom Jones y dirigente de la compañía MAM Records. A Mills le gustó lo que escuchó, y quiso conocer al joven O'Sullivan. El encuentro estuvo a punto de dar al traste con su carrera: Gilbert se presentó con una especie de uniforme escolar: pantalón corto, pelo cortado a cepillo, una corbata ridícula, calcetines de colores y una gorra de "teddyboy". Sí, amigos, Gilbert O'Sullivan creó esa imagen del cantante salido de una clase de primaria bastante antes de que la hiciera popular nuestro admirado Angus Young.

Mills, horrorizado, insistió en que aquella imagen no podía hacerle ningún bien, pero nuestro amigo Gilbert no se bajó del burro, y así fue como empezó a actuar tanto en los bolos que le proporcionaba Mills como en sus primeras actuaciones televisivas (en las que también lució alguna vez un jersey de lana con una inmensa "G" bordada en colores chillones). Gilbert O'Sullivan empezó a ser conocido más por su indumentaria que por sus canciones, pero ese era el primer paso.

El segundo fue mostrar su talento en una serie de composiciones que iban a formar parte de su disco de debut, en 1971. Una de ellas fue la excelente "Nothing rhymed", que hizo que el público empezara a tomarse en serio a aquel chico raro que vestía de forma tan graciosa y tocaba el piano al estilo de Elton John. Por cierto, en 1982 Bertín Osborne grabó una versión de este tema con el nombre de "Era bella", aunque seguramente lo hizo copiando directamente otra versión que, a su vez, hicieron los italianos I Profeti en 1971, el mismo año en que apareció la original.

Ganada la atención del público, Gilbert O'Sullivan adoptó una imagen algo más seria, y se centró en crear más composiciones que le llevaran a ser aceptado también por la crítica. Entonces llegó 1972, su año mágico. "Alone again(naturally)" primero, y posteriormente "Claire", dedicada a la hija de Gordon Mills, le llevaron al estrellato internacional.

Cuando empezó a lloverle el dinero se dio cuenta de que la mayor parte del mismo iba directamente a los bolsillos de Mills, y revisando su contrato se encontró con que había firmado una especie de cheque en blanco para la compañía que le dejaba a él con poca cosa que disfrutar aparte de la fama y el éxito. Rompió con Mills y con su compañía, y empezó una larga travesía del desierto que le llevó a desaparecer de las listas de éxitos durante casi una década.

En 1980 su nombre volvió a estar en boca de todos gracias al melodioso y realmente bonito tema "What's in a kiss", su último gran éxito.

En los años posteriores ha estado girando y grabando discos, el último hace pocos meses, pero desde luego si se le sigue recordando, y si a la gente le suena aún su nombre, es por aquellos meses mágicos entre 1971 y 1973 en los que se sacó de la chistera esas canciones maravillosas que suenan en la radio a todas horas, y a las que tan poca atención prestamos.

Sin embargo, aunque no hagamos mucho caso de ellas, es bonito que nos recuerden, de tanto en tanto, que siguen existiendo.

Pilot - Magic (1974)

2009-01-11T09:20:00.007+01:00

Hola, se acabaron las "vacaciones" y vuelve la normalidad. Así pues, retomo el blog donde lo había dejado. Espero que este largo periodo de descanso no sea impedimento para volver a encontrar a viejos (y no tanto) conocidos por aquí, de cuando en cuando.

Vamos entonces a lo que interesa. Hace unos días, en casa de un gran amigo, escuché tararear una canción que desde luego jamás me hubiese imaginado no ya que le gustase sino siquiera que la conociese. Y no es porque no conozca música, pero sus estilos preferidos van más por el jazz, el blues y similares. La canción era Magic del grupo escocés Pilot. Le pregunté y me dijo que sonaba en una película infantil que había visto en el vídeo o en el cine, no recuerdo.

Automáticamente, como me pasa en estos casos, me encontré viajando con mi cuerpo astral/melómano (jeje) al pasado. Mi primer destino fue un día de 1998 ó 1999, no recuerdo bien del todo. Un día en el que, viendo vídeos musicales en un programa de televisión, apareció este:

Pilot eran un grupo de Edimburgo (Escocia), formado a principios de los años 70. Sus miembros fundadores, David Paton y Billy Lyall provenían a su vez de otra banda de la ciudad: los míticos Bay City Rollers, de los que debería ocuparme algún otro día, y que todavía no eran conocidos cuando se produjo la deserción. Pronto se les unieron un par de jornaleros musicales también escoceses: Stuart Tosh y Ian Bairnson.

En 1974 tuvieron un gran éxito con su primer single, Magic, y su álbum de debut, llamado Pilot (From the album of the same name). En 1975 su segundo disco, Second Fight, y más concretamente la canción January, multiplicaron su éxito.

De forma bastante sorprendente, el grupo empezó a desintegrarse a partir de aquel mismo momento, con sus componentes trabajando en solitario, como músicos de sesión, o entrando a formar parte de otros grupos, primero de forma parcial y posteriormente con completa dedicación. Así, Pilot pronto dejó de existir.

La pista de sus miembros, sin embargo, es fácil de seguir. En concreto Ian Bairnson es un guitarrista bastante reputado, que formó parte del Alan Parsons Project tras su marcha de Pilot, y que es el intérprete de algunos de los mágicos solos de guitarra que aparecen en muchas de sus canciones más conocidas. Alan Parsons produjo el primer disco de Pilot, y ahí se forjó una amistad con Bairnson y el arreglista del grupo, Andy Powell, que acabó con ambos entrando en su Project. También el propio David Paton, creador de Magic, acabó formando parte del equipo de Alan Parsons, incluso cantando en alguna canción como en Children of the moon del disco Eye in the sky.

Al tiempo que trabajaban con Alan Parsons, a los ex-miembros de Pilot les dio tiempo también para seguir a su arreglista Powell en otras aventuras y, por ejemplo, trabajar en el álbum The kick inside de Kate Bush. Sí, en efecto: el solo de guitarra (al final de la canción, casi imperceptible salvo en versiones extendidas) de Wuthering heights es obra también de nuestro amigo Bairnson.

Más curioso todavía es encontrar al propio David Paton en los créditos del disco en vivo Live in Australia de Elton John, donde figura como bajista. De hecho, trabajaron juntos en varios álbumes de los 80 además de ejercer como bajista en algunas de las giras que en aquellos años realizó el cantante-pianista de las pelucas, las gafas y las canciones inolvidables.

El batería de Pilot, Stuart "Tosh" McIntosh estuvo también con Alan Parsons, aunque pasó un tiempo como miembro estable de 10CC tras la salida en 1976 de Godley y Creme. Como se puede ver, no perdían el tiempo los chavales.

Por su parte, Billy Lyall también paso por el Alan Parsons Project, además de grabar algún disco en solitario. Lamentablemente, falleció de SIDA en 1989.

El segundo destino de mi viaje mental fue un incierto día de un también incierto año de la segunda mitad de los 70. Fue la primera vez que escuché Magic, no sé exactamente cómo ni dónde, aunque casi seguro que sería en algún programa de televisión, tal vez en el mítico Aplauso. Sé también el tiempo que estuve intentando averiguar cómo se llamaba la canción y de quién era, hasta que medio olvidé la canción. Finalmente, tantos años después, conseguí ver aquel vídeo en un canal musical y recuperé aquella canción que me impresionó tanto en mi infancia.

Montones de recuerdos disparados por un simple tarareo.

¿No han probado nunca lo del viaje astral-melómano? Deberían.